摘要：在刚刚过去的三周时间里，2025 小红书设计周如期而至。自 2021 年，小红书产品设计部发起这项活动以来，到今年已经是第五届。以“日常开放 DailyOpen”为主题，今年的活动进一步展现了小红书聚焦设计、促进讨论与交流的初心。整个设计周包含两场展览、贯穿全
Preface
在刚刚过去的三周时间里，2025 小红书设计周如期而至。自 2021 年，小红书产品设计部发起这项活动以来，到今年已经是第五届。以“日常开放 DailyOpen”为主题，今年的活动进一步展现了小红书聚焦设计、促进讨论与交流的初心。整个设计周包含两场展览、贯穿全程的十余场讲座与现场活动，小红书再次邀请所有设计爱好者们，用好朋友的目光来感受设计。
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2025小红书设计周“日常开放”展览
2024 年，小红书发起了 InAward 设计大赛。与前一年相似，今年赛事中的获奖作品构成了设计周中两场展览的核心即“InAward 小红书设计大赛 2025 成果展”。比起 2024 年对“在场性”的捕捉，今年小红书邀请所有设计者共同讨论“日常”与“开放”之间的张力。
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2025小红书设计周“日常开放”展览
在 5814 件参赛作品中，由 7 位设计导师所评选出的年度作品，按照“家的聚落Topographies of Home”“友邻游戏场 Neighborly Playground”和“身体剧场 Body Theater”三个子版块串联。在一条可自由“编辑”的街道上，观众可以随意从任何地方进入并开始自己的参观，进一步呼应了今年的主题。
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另外一个重磅展览，来自日本武藏野美术大学基础设计系（Department of Science of Design, Musashino Art University），即由日本武藏野美术大学基础设计系师生所共同带来的「形态的诗学」。2025 年适逢武藏野美术大学基础设计学部成立 30 周年，本着进一步促进中日之间设计交流的初衷，展览的共同策展人陈芃邀请了包括田中良治、三泽遥、板东孝明等多位武藏野美术大学教授、知名设计师来到上海。与“InAward 小红书设计大赛 2025 成果展”不同的是，比起一目了然的“设计品”，“形态的诗学”中由基础设计系师生所带来的展品，更期待让观众收获“原来这也是设计”的感叹。
武藏野美术大学基础设计系诞生于 1967 年，由日本设计师、设计教育者向井周太郎创立。比起设计中技术、手法与表现形式的探讨，如其名所示，这门学科更加关注设计与社会文化、哲学的关联，指向“设计活动整体所依凭的根源性原理”。以跨专业、综合性的课程体系为依托，基础设计系旨在探讨人类与自然的根源性问题及社会与文化议题。
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“形态的诗学”展览
这也是为什么对于许多观众来说，本次“形态的诗学”展览中的作品，往往看上去不那么像“设计”，而更接近于某种哲学思考或社会议题讨论过程的具像化。
向井周太郎曾经在上世纪五十年代留学西德乌尔姆造型学院，在那里他接触并体验到了彼时延续了包豪斯运动的前卫设计思想，并见证了现代设计的发展。在这样的背景下创立基础设计系，向井周太郎非常在意以跨学科的方式去探索“设计的社会性”。
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“形态的诗学”展览
在其著作《设计学：思索的星座》中，他创意性地以星座为喻展现他对于基础设计学科任务的理解：他尝试构建出一种如夜空中交错闪耀的繁星般的理论体系，每一颗星辰与彼此的关系并非呈固定的线性或是结构，而是在彼此的牵引之中勾勒出一个层层交织的关系网。像是某种“语言的拓扑斯（topos）”，种种词汇、问题、现象的分布、排列、构成及群化的景象，彼此相互作用、共振从而催生出不同的新问题，并在充满动态变化的交互过程中为设计者带来深层次的启迪。
这样看上去广博且不乏智识野心的设想，在定义式的表述中或许难以理解，不过基础设计系的各位教授们则用一个个针对更加具体的问题方向的论坛，呈现了这门学科的多元和包容。例如小林昭世以向井周太郎的诗词创作为切入点，思考语言、图像与设计的交汇；板东孝明则以更加宏观的协同学（Synergetics）视角，将设计的眼界和关注点拉回由现代物理、数学等基础学科所构建的人类认知模式中。看似是在讨论设计，实则包罗万象。
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“形态的诗学”展览
作为本次展览的策展人，《idea杂志》前主编、《The Graphic Design Review》主编、设计师室贺清德表示，对他来说，本次展览的一个核心驱动力是，他十分好奇当下的大众对于平面设计的感受是怎样的。尤其在他的观察中，比起日本的设计师，中国设计师常常更善于观察时代并做出回应。因此，比起呈现更加成熟、商业化的完整作品，在这个变化迅速、技术发展日新月异的时代，也许更多指向设计本源性的思考会来得更加重要。
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“形态的诗学”展览
正如武藏野美术大学基础设计系的第二代掌舵者、设计师原研哉的理解，设计不仅仅是创造具体事物的手段，更是一种理解世界、重组信息和激活交流的过程，设计被赋予了超越物质层面的意义，是观察社会、介入现实、塑造未来的方法论。借由本次展览，更多普通设计爱好者可以从更加介入设计师本源性思考的角度感受设计，而不仅仅是看到设计师们处理具体设计外在细节的过程，这无疑是一种更深层次的“日常开放”。
借此机会，《Wallpaper*中文版》也找到了本次来到上海的几位武藏野美术大学基础设计系教授，田中良治、室贺清德、三泽遥与大原大次郎，与他们共同探讨了由本次展览所发生的当下牵引出的“基础设计”问题。
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武藏野美术大学基础设计系教授，田中良治
W* ：
你如何理解本次小红书设计周的主题“日常开放”？你所带来的作品是如何诠释这一主题的？
田中良治：
我这次带来的作品是“5 sisters”，这是一个受到印刷公司邀请制作的电影的主题海报。当时对于这个创作主题是没有任何限制的，不过我的想法是可以回到现实中去看待这个非现实主义的题材，所以我最后使用了类似霓虹灯光线条这样的方式来诠释现实当中具有生活感的事物。
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田中良治作品《5 sisters》
W* ：
根据你的经验和观察，你觉得近些年来中日的平面设计界有哪些相似的和不同的趋势？
田中良治：
其实总体来说，整个平面设计的发展历程，其实中日的起点是很像的，只是后面大家有不同的发展方向。日本其实还是受西方影响多一些，包括很早就有一些字体俱乐部等关于平面设计细分化的一些组织。对于中国的设计师，我接触的可能不是全貌，不过按照我在 JAGDA 担任评委时所看到的情况来讲，我觉得中国这边的设计师很能够去迎合不同的时代主题去创作。不过我不知道这算不算是趋势，我会觉得有许多中日的共同点在慢慢回归，无论是相似的审美，还是相似的创作理念。
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田中良治装置艺术作品tFont-fTime
W* ：
如今 AI 高速发展，你会如何看待 AI 的所谓“设计能力”？
田中良治：
我之前有许多网页设计的工作，所以对我来说，信息的准确度是我一直以来的课题。对于现在 AI 的发展，它也可以说是在不停地校准、追求准确。但是，这是一张我 2015 年也就是 10 年前制作的海报，当时的主题是 A Graphic Design Example，在做这些字体的时候，是有意识地去把每一个字母在软件中随意拖动去拉伸扭曲。
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田中良治网页设计作品
田中良治：
现在回过头来看，这个工作可能 AI 就能完成，只不过如果用 AI 来做，它会很无聊，因为 AI 会去追求精准度，要做出来的东西是有辨识度的，可设计的过程有许多东西是没有办法精准对应到某一个指令的，这种由设计师做出的对精准与模糊的把控，我觉得是很有趣也无法被 AI 替代的。现在来看，我觉得这个设计是不过时的，它本身也代表着当时的时代背景和技术下的发想和创意，所以我觉得这也代表了平面设计的一种精神，应该聚焦在自己身上，而不是过度依赖工具；而对于更多人来说，我们的挑战应该是如何去利用 AI 而不是被它驯服。
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田中良治展览&海报作品
W* ：
近些年来，你对自己在武藏野美术大学的任教课程上，有做出哪些调整吗？
田中良治：
基础设计这门课没有那么具象，要求学生一定要去完成某一个课题，它其实是相对发散的，作为老师，我会更去关注学生们在当下更在关注些什么。与其说调整课程内容，我觉得更重要的是去理解学生们想要做什么，给到一些他们有价值的参考案例，让他们现在的想法和过去的东西串联起来，期待他们能有一些新的、向前发展的东西。
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武藏野美术大学基础设计系教授、“形态的诗学”联合策展人，室贺清德
W* ：
作为本次展览的策展人，这次的展览是如何完成的？它又呈现了你的哪些思考？
室贺清德：
这次展览的主题“形态的诗学”其实是我们许多教授共同讨论出的结果，之所以会将我推向策展人的角色，是因为我在其中的工作主要是统筹大家不同的想法和作品。当然，这次展览能够呈现，也和我们的中方策展人陈芃有很大关系，也是他在不停地推荐我们武藏野的老师来到中国与大家进行交流，除了这次的活动，也包括之前在同济大学进行的一系列设计讲座。对于本次展览，我最大的驱动力来自，我们很想知道现在大众对于平面设计的感受是怎样的；另外也是因为向井周太郎的《设计学》被翻译推荐到中国，作为他的后继者和追随者，我们也想要用新的项目去表达一些他想要传递的理念。
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“形态的诗学”展览现场
W* ：
根据你的经验和观察，你觉得近些年来中日的平面设计界有哪些相似的和不同的趋势？
室贺清德：
我的观察不是近些年，而是对比我第一次来中国的 2002 年。让我印象最深的是，那个年代中国有很多所谓的设计“大师”、中年的设计师，他们有很大的话语权；不过这几年，我发现中国其实涌现了非常多的年轻设计师，无论是商业的还是非商业的，各种都有。
中日设计之间的一个不同点是，我觉得中国的商业开发项目非常多，不停地在造新的高楼，用商业的形态去构建自己心中的理想国，因此整个社会中就会划分出那些只服务于商业的设计师；不过那些只想做设计的人，他们是否会有做（非商业化的）设计的自主意识，我觉得这件事情还有待观察。
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室贺清德监制作品《即将到来的设计师现代平面设计的方法和态度》
室贺清德：
不过，在 20 年前，我有深刻感受的是，那时大家好像有很严肃地想要去叩问中国的设计是什么、亚洲的设计是什么，有许多大家共同在探讨的问题；现在的话，有很多年轻人，有许多的想法、也有更多的设计手段，所以大家更注重所谓的技巧，用不同的技巧去表现自己的作品。在这样的基础上，再去触及商业，它就会变得很花哨。我能感受到中国的设计界是很活跃的，但活跃的表象下，大家在各做各的；在日本，我们会有一些协会或机构，想要有意识地去系统化整合平面设计这个板块。
中国的市场足够大，所以有非常多的东西可以容纳进去，年轻人也会比较容易找到自己的位置，总能以自己的方式接到工作；在日本，我们可能没有那么强的市场观念，年轻人做设计不会只局限在平面设计，他可能会去开个书店，或者说是去探索自己如何以平面设计为技能去生存，用不同的方式找到自己的工作路径，会比较多重身份一些。
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室贺清德曾担任《idea杂志》主编
W* ：
如今 AI 高速发展，你会如何看待 AI 的所谓“设计能力”？
室贺清德：
设计师不可替代的地方在于，设计师是人，人会有自己的个性、自己的经验、自己的表达，这些“人”的东西是算法没有办法提供的。我觉得 AI 是执行任务的，与其抵抗，不如将它作为一个工具，让你的工作更有效率或者提供一些思路。如果你想要通过 AI 去找到所谓的设计原理，那就会有点可怕。在我日常的工作中，因为我需要负责杂志的编辑工作，现在我会利用 AI 去进行文字的校正，让它来帮忙处理，这点目前对我来说是比较实际的、可以提升效率的。
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三泽遥的日常创意
W* ：
你常常讲到“创意来自日常”，能否介绍一个你自己的相关实践？
三泽遥：
我经常会去公园收集灵感。这是一次我在公园中看到的天鹅，我就在想，如果它的前面有一个路障，它会如何去通过它？因为当时那只鹅突然动了一下，我就在思考它为什么会这么做，然后就有了这个想法。后来我又在上野公园看到了这只鸽子，当时它的旁边有很多人，它好像有些害怕，我就想象了这个“保护”它的小小的圈子；不过后面它突然有了一个停顿的动作让我觉得很有趣，于是我就换了另一种方式，这个路障越来越小，它也就无法再向前继续走了。
我在日常中去观察这些现象的时候，会很自然地具象化地想象出这样一些作品。这就是我“创意来自日常”的一个实践。创意其实是“散落一地”的状态，它并不是从手中、从自己的身体中长出来的，而是散落在自己的周围。我们当然可以花很长时间去更远的地方采集这些创意，但是我也希望大家可以看到，我们的脚边也有很多创意，等待着我们去捡拾起来。
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武藏野美术大学基础设计系教授，三泽遥
W* ：
你的设计中有许多接近创意本身或是艺术装置的作品，这些创作会如何启发你的商业项目创作？
三泽遥：
延续刚刚所讲到的方法（实践），这个是我从一张纸出发制作的作品，它没有使用任何的胶水，仅仅是用剪裁和把它卷起来这样一个行为组成的一个作品；把它延展开，它会变成一个圆弧的形状，如果从上面压下来，它就会变成一个小小的盘子。它最初的主题是我想制作一个包装，所以我就在想能不能不去使用胶水，把它变成一个球形的形状，使之可以成为一个不断变化的包装形式。
前面我提到灵感的捡拾，不过有的时候，你也需要抛弃许多灵感，说不定可以让最后的创作“飞”得更远，所以在这里，我最后抛弃了球形的想法，单纯把它变成这样一个“毛茸茸”的状态，由这样的裁切出发，它就有了更多不同的系统形态。正好在这个作品展览的几个月后，三宅一生找到了我来创作一些包装，我发觉这样的裁切是和三宅一生的设计非常契合的，将材料换为纸板后，于是它就成为了三宅一生围巾的包装。所以它并不是说有了这样的商业委托，我才去想这样的设计，而是先有先前的实验和实践，再把这种灵感应用到商业当中。
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三泽遥的试验包装作品
W* ：
你之前提到过，以社会思想和哲学为背景进行设计固然重要，但是以身为一个人的“我”的感受来拓展意象也可以唤起很多人的共鸣。将感受转化为一种设计，你有哪些具体的方法？
三泽遥：
《纸花》是我 10 年前左右创作的作品，是把铅笔的尖端削出来后变成花这样的一个创意，它也是我创作中一个“原点”性的作品。当时在收到这个项目的创作邀请时，我开始的创意时设计一款削铅笔器；但是在后来实验的过程中，我发现用不同的力道、改变铅笔的种类，出来的铅笔屑形状会有所改变，我意识到这个东西和自然界中绽放的花苞的形态是非常相似的，所以有了这个作品最初的灵感，我想到把铅笔的木头换成纸，也能产生同样的效果。
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三泽遥作品《纸花》
三泽遥：
从一个小小的想法作为入口，然后不停地去重复，在这种不停的重复之中去发现新的主题，发现新的问题、解决新的问题，这是我们工作室的一种重要的研究方法。在进行的过程中，可能会有困扰、有解决不掉的困难，这时我的一个秘诀是尽可能地让自己忙起来，同时去做许多工作，比如有各种 ABCDE 的不同项目，如果 A 遇到问题，我可能会通过 E 来解决。先让自己动起来，去和不同的环境或者任务相遇，可能就会通过很小的方式把问题解决掉，比如突然和一个学生的聊天。
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武藏野美术大学基础设计系教授，大原大次郎
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你如何理解本次小红书设计周的主题“日常开放”？你所带来的作品是如何诠释这一主题的？
大原大次郎：
其实在来到现场之前，我并不了解整个展览的全貌，不过我自己的创作习惯本身，可能就是和“日常开放”这一主题有一定关联性的。因为我的所有创作都是与手有关，所以到展厅里现场绘制这些图案、进行这些设计过程的呈现，让大家看到我平时在工作中会做些什么，我对这个形式很感兴趣。所有这些内容，都是对向井周太郎早期所制作的一些符号标识的再创作，其中有许多基于研究文献所提炼出的元素。
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大原大次郎作品 曲線, Song Lines
W* ：
这是你第一次来到中国，你有注意到哪些中日之间有趣的不同吗？
大原大次郎：
我在上海的街头拍摄了一些照片，街边的堆满杂物的三轮车很吸引我。在日本，你会在街头看到很多规整的叠放，包括货车司机的、小型摩托车的，它会有一种被规制束缚的感觉；但是在中国，大家好像很随意，没有任何规则，也很自由。这是我的观察，也是我之前没有接触过的，这让我觉得很有趣。
W* ：
如今 AI 高速发展，你会如何看待 AI 的所谓“设计能力”？
大原大次郎：
因为我自己没有在使用 AI 工具，所以我没有特别明确地感受到 AI 对设计的冲击，我还是习惯亲自用双手去制作某种东西。我觉得，如果你想要追求一个答案，那么你可以去找 AI，它会给你一个它认为是正确的答案，这是一种索取的状态；不过我认为设计应该追求的不是一个正确的答案，而是日语中的“応答（おうとう）”，它不仅仅是一个确切的答案，而是在这种赠予、回馈之间的反应和状态，至少这是我所追求的。
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大原大次郎作品 稜線, Ryosen
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你有许多与音乐相关的工作内容和设计，在为音乐作品创造视觉时，你有哪些自己的独特方法论或者思考？
大原大次郎：
比起完全沉浸在音乐里或者去欣赏音乐，我更在意的是音乐背后的制作过程，比如我喜欢去观察黑胶唱片的构造，在现场音乐表演时去关注音乐人所使用的每种道具。让我觉得很有趣的是，有一些音乐人可能会用 30% 的编辑能力去创作音乐，而可能 70% 是利用道具、或者混音等形式完成，最终形成一种“合奏”。而且，音乐会在流媒体和纸媒等不同的媒介下有不同的展现形式，这也会给我不同的灵感。
撰文：鱼开克
编辑：piiper
编排：薛韬
图片由小红书设计周提供
来源：卷宗Wallpaper
