人人都是美的作者

摘要：秋分，是光与影的均分，也是人与自然的和鸣。此刻的平衡，不是停顿，而是新的起点——提醒我们，美从不只是形式上的存在，而是一种能启发心灵的力量。在这份均衡中，美被重新看见。

秋分，是光与影的均分，也是人与自然的和鸣。此刻的平衡，不是停顿，而是新的起点——提醒我们，美从不只是形式上的存在，而是一种能启发心灵的力量。在这份均衡中，美被重新看见。

此时，松美术馆内的松枝依旧苍翠。

近日，张晓刚大型个展《读者与作者》在松美术馆开幕，这是他迄今最大规模的回顾性展览，由崔灿灿策展，汇集近400件跨越半个世纪的作品。展览以“读者”与“作者”的双重身份为线索，追问艺术与个人、历史与时代的情感联结。不同于线性叙事，它采用非线性的结构与超现实手法，勾勒张晓刚反复探讨的命题与情绪痕迹。

艺术不是小众圈层的私语，而应是公众共享的经验。正因如此，欧莱雅中国携「美之道」加入，与松美术馆、张晓刚一同推动青年美育——不仅在整个展期让展览免费向学生开放，更在特别的12小时青年美育专场活动中，把“观看”转化为“参与”。让青年从欣赏者到创造者的转变，不只是一种形式的参与，而是一次对“美”的自我启发。

这场“美之道・读者与作者”沉浸式青年美育专场活动，以“百人共创”“沙龙”“艺术导览”等形式展开。秋分的昼夜平衡，也因此有了新的隐喻：美是人与艺术的共鸣，更是个体与社会之间的深层对话。

美从来都不是悬浮于

生活之外的抽象，

它在日常、在自我、也在时代中生长。

在这场特别的美育实验里，

青年们通过观展、聆乐、对话与创作，

亲历了美如何成为一种长久的联结。

正是在这层语境中，

“美的升华”成为可能。

法国作家普鲁斯特说过一句话：“真正的发现之旅，不在于寻找新的风景，而在于拥有新的眼光。”生活的美，往往藏在那些不期而遇的瞬间，在计划之外的惊喜。当我们敞开心扉地迎接未知，就会发现“美”。

在“百人共创”的草坪上，年轻人随手勾勒自己心中的色彩；在展厅中，抬头的一瞥捕捉到光影在白墙上的流转；在导览员的讲解间隙，观众或轻轻点头、或微微皱眉、或不自觉举起手机记录与围观，这些细微反应同样构成了日常的风景。美存在于张晓刚的艺术作品里，也藏在空气的流动、身体的停驻、人与人之间的交流与呼吸中。感知松美术馆内每个微小的瞬间，让人意识到——日常即是最好的美学课堂。

在线下沙龙中，年轻人围坐一起，聆听嘉宾们分享生活中的美。氛围少了几分拘谨，却多了几分真切与自在。

兰珍珍回忆起自己童年在重庆山里的场景：四五岁时，她常常光着脚，踩在滚烫的柏油路上，给外婆送饭。地面烫得让人直跳脚，她索性一边跳一边哼歌，好像在街头跳舞。那时虽艰苦，却因心中有光，记忆竟带着某种美的亮色。她说，正是这样的经历让她学会在困境中发现美，并坚持收集这些星星点点的瞬间——哪怕只是早晨涂上一抹口红，也能以更好的姿态迎接新的一天。

张晓刚则忆起22岁时的一个傍晚。他独坐山坡，看夕阳的最后一缕光落下，一个女孩背着牛粪缓缓走过。他突然想起米勒的画作，那一刻，美成了一种神秘的召唤，让他兴奋得从山坡上狂奔而下。策展人崔灿灿则选择了张晓刚的两幅小画展出：一双拖鞋与一本床头书。他相信，比起宏大叙事，这些承载记忆与时光印记的日常物件，更能触动人心。

美可以是生长的枝芽，可以是悲喜交织，也可以是不被常规定义的任何瞬间。因为美从不依附标准，它只会在某个时刻骤然绽放。

在“美之道”沙龙环节中，青年不再只是聆听者，而是把自己的经历与思考摆上桌，与艺术家、学者平等对话。而在台上，每一位嘉宾本身也在以不同方式回应“自我”——有人从童年记忆中寻找真实，有人通过学术方法追索文化脉络，有人以艺术创作与社会共振。他们的表达并没有统一答案，却共同指向了一个事实：美并非外在标准，而是一种独特的内在确认。

这种回归，让美成为人与自己和解的过程，也是一种向外的勇气。无论是青年随手的一次落笔，还是嘉宾发自内心的一个瞬间分享，都是在宣告“我是谁”，也是在用自己的方式为世界增添更多元的色彩。

在兰珍珍三十岁那年，她选择加入欧莱雅。面对当时引来的不少质疑，她决定用自己的头发做示范，尽管后来被母亲严厉责备，但却以一场精彩的新闻发布会，为当时的社会氛围注入了前所未有的活力与色彩。

张晓刚则几乎用尽生活费，从德国坐火车到荷兰看梵高原作。却发现真迹与想象截然不同。他由此明白，创作离不开自己的土壤。艺术并非抽象的“共通”，文化是具体的、扎根的。

崔灿灿回忆“小城之春”项目时提到，家乡小县城里只有一家叫“麦肯基”的小店。但在那里过生日的时光，却带给了他无比真实的快乐。正是这些“山寨”痕迹的成长经历，反而塑造了他独特的视角和审美。

都靓刚做视频、公开表达时，对美的理解很狭隘。总在意别人的眼光，努力活成别人期待的样子。直到这两年她才真正明白，评价不过是他人私人化的感受罢了。

在新媒体黄金期时期，同行们都在拼命赚钱时候，鞠白玉却选择另一条路，去做一个小小的艺术机构。

美，在于回归自我，不盲从潮流，不迎合他人。正如兰珍珍所说，“美”如一颗火种，只需一次心颤，便能在心底生根，终得绚烂绽放。请勇敢地把美，交还给自己。

本次张晓刚个展展出的近400件作品，横跨1975至今的半个世纪。它们不是单一的艺术风格线索，而像一部个人史与集体记忆交织的档案。九十年代的《大家庭》系列里，凝固的面孔和整齐划一的构图，折射出时代氛围下个体的隐忍与困惑；《绿房子》中的冷峻空间，则让人感受到身份、家庭与社会之间无形的压迫感。与此同时，展厅中陈列的信件、照片、草图与旧物，像是对现实的另一种注脚，把宏大叙事还原到具体而细碎的生命痕迹。

这些作品不断提醒观众：美并不等于追逐潮流的表象，而是个体如何在时代的裹挟下，依然留下自己的印记。青年观众在凝视时，会体会到“读者”的身份远非终点。他们同样可以成为“作者”——通过重新诠释与延伸，让美成为与时代的平等对话，而不是单向的接受。

真正的美，不是顺从，而是回应与创造。哪怕在AI迭代的当下，唯有源自生命经验的表达，才拥有不可替代的厚度与力量。

从左至右：

《⾎缘-⼤家庭9号》-1997年-布⾯油画-150 x190cm;

《蜉蝣日记：2022年6月21日- 灭火器》，2022年，

纸上油画、纸张拼贴，80 x 100 cm;

《蜉蝣日记：2020年7月10日－对话》，2020年，

纸本油画&拼贴，79.5 x 99.5 cm

在百人共创的环节里，

草地与阳光把现场变成了

一个开放的“共创场”。

青年们手握画笔，

不再只是展览的旁观者，

而是在色彩与线条中回应内心，

也回应这个时代。

这里没有标准答案，每一幅画都只是一个瞬间的记录：或是某种情绪的流动，或是记忆的片段，或是未尽的话语。重要的不是作品本身，而是创作过程中，那份从凝视到表达的转变。

这种转变让人意识到，美并非遥不可及，而是每个人都能触碰和书写的生命经验。此刻，青年们从“读者”走向“作者”，用真诚的表达种下了属于自己的“美的种子”，也为未来留下继续生长的可能。

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这份百人共创的美，有我一笔！

在欧莱雅成立115周年之际，

全球提出“Essentiality of Beauty”理念，

并在中国以“美之道”赋予东方智慧的诠释：

美不仅是外在形态，更是与生命、

文化和社会的持续对话。

本次“美之道·读者与作者”青年美育体验，

正是这一理念的重要实践。

这不仅是一场面向青年的美育活动，更是对当代艺术公共性的再推进。对于张晓刚这样级别的艺术家来说，寻找展览合作并不难；难得的是，欧莱雅选择与他“共情”以青年为核心，与松美术馆携手，不仅支持全体学生免费看展，更愿意额外投入，策划一场专属的美育专场。这样的初心，让更多非艺术专业的年轻人也能走近当代艺术，感受美的力量。它让“美”的公共性被再次强调——人人都能在其中发现共鸣。

这次跨界合作的意义，在于“三方共振”：最具影响力的当代艺术家、最专业的美术馆、以及始终心系下一代年轻人的欧莱雅。看似一个小小的举措，却拓开了新的路径——让当代艺术走进更广阔的公共教育场景，也让美的叩问被更多年轻人听见和回应。

欧莱雅「美之道」所倡导的，并非抽象口号，而是一种持续推动的实践：让青年从观者走向创作者，从被动接受走向主动表达。在这场共创中，艺术家、机构与青年彼此滋养，共同推动中国当代艺术的公共性与美育价值再往前迈出了“一小步”。