《死无葬身之地》：用沉默而强大的视觉语言，输出萨特哲学的冰冷拷问

摘要：2025年，正值中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年，让-保罗·萨特诞辰120周年，中国国家话剧院再度重磅推出存在主义巨作《死无葬身之地》，作为中国国家话剧院纪念抗战胜利80周年系列演出之一。导演查明哲历经一个月高强度排练，9月2日晚，海清、邢佳栋、

本文转自：中国国家话剧院

2025年，正值中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年，让-保罗·萨特诞辰120周年，中国国家话剧院再度重磅推出存在主义巨作《死无葬身之地》，作为中国国家话剧院纪念抗战胜利80周年系列演出之一。导演查明哲历经一个月高强度排练，9月2日晚，海清、邢佳栋、查文浩、章劼、徐卫、褚栓忠、单冠朝、邹易道、史光辉、梁家桐、吴耿华、邓炀、王大卫、刘子壮、王子文、王翊森精彩献演，盛大亮相国家话剧院舞台，为京城话剧舞台带来历久弥新的“戏剧风采”，这部已有28年演出历史的经典剧目贯透戏剧艺术魅力、表演艺术魅力、舞台艺术魅力，并藉由此次重排注入当代哲思与人性新解，于北京舞台掀起一场关于“存在、选择与尊严”的灵魂风暴。

中国国家话剧院院长田沁鑫表示，在纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年的特殊时刻，中国国家话剧院再度推出《死无葬身之地》具有深远意义。萨特这部作品对极端环境下人性困境的追问非常深刻。该剧通过查明哲导演的精心安排，舞台叙事充满张力，展现出了人在极端境遇中的精神高度。这次演出是国家话剧院对世界经典作品的重新诠释，更是对抗战精神的当代致敬！期待观众能在剧场中感受这份跨越时空的精神力量，思考和平的珍贵与生命的价值。

一、新落点：

完成了戏剧到剧场的传递与循环

自1997年首排至今，查明哲导演四度执导该剧，每一次都如攀越“存在”的峭壁。本次重排，他延续了“悬崖上，一群生灵在腥风血雨中攀爬、跳跃”这一诗化意象的“形象种子”，并在此基础上提出“深掘有哲思的内涵与人物，精造有意味的形式和情境”的创作理念。

舞台设计上，他创新注解“楼上是炼狱，楼下是地狱”的双层空间结构，以粗粝纱幕和光影流动实现哲学意象的视觉转化——楼上喻指精神自我审判的炼狱，楼下则是肉体酷刑的地狱。这一处理不仅强化了戏剧张力，更将萨特笔下的“境遇”升华为具象化的存在主义隐喻。这是该剧28年来首次提出的舞台结构新解，不仅体现在追求戏剧表达上，最直观的舞台美术也全面焕新，原本沿用了多年的铁皮与墙壁建构的逼仄阁楼，被新型舞台美术材质替代。阁楼中，游击队员们戴着手铐，蜷缩在昏暗光线里；楼下审讯室中，民团分子展开残忍的刑讯。通过一道粗粝的纱幕，两个空间被巧妙连通——楼下刑讯的红光渗入阁楼，楼上人物的剪影则投下至地狱般的审讯室。这种视觉互文不仅强化了戏剧的压抑感，更象征了善恶、囚禁与权力之间的模糊边界。

在本次重排的尾声，查明哲导演赋予结局一个极具冲击力的新落点：当三名游击队员在墙面上奋力刻下象征胜利的“V”字、随即在机枪扫射中倒下之后——舞台的边界被彻底打破。民团团丁猛然冲下观众席，冰冷的舞台射灯如同审讯者的目光一般扫过全场观众。此时，一声凌厉的指令撕裂剧场：“把他们带到阁楼上去！”

这句剧中反复出现的台词，此刻不再只属于舞台。它穿越虚构与现实的壁垒，将萨特笔下的酷刑室陡然延伸至整个剧场空间——它成为悬在每一位观众头顶的存在之问。查明哲以这样极具压迫感的间离手法，完成了从“观演”到“共犯”的心理转换，迫使每个人从安全的旁观者，瞬间堕入自我审判的深渊。灯光扫过之处的每一张脸，都仿佛被推入了那座没有退路的阁楼。

这不是叙事的终结，而是一场哲学叩问的开始。胜利的“V”字与死亡的枪声并存，选择的重量与自由的代价，终于从舞台蔓延至人心，你如何看待他们的“胜利”？肉体虽然泯灭，但精神与荣光永远写在了这个世界的纪念碑上。

如果说萨特的《死无葬身之地》是一把刺向存在本质的手术刀，那么导演查明哲的舞台，便是那把刀的握柄——冰冷、精准、无可回避。而为中国观众锻造这把握柄，并赋予其惊人视觉力量的人，正是中国舞台美术泰斗薛殿杰。他的设计，绝非简单的背景布置，而是一场将存在主义哲学视觉化、空间化、肉身化的伟大实践。

二、起点：

从哲学思辨到视觉炼狱

薛殿杰的创作始于一个超越剧本表层的深刻命题：如何将萨特笔下“世界是荒诞的，人生是痛苦的”这一核心哲学，转化为观众可感可知的舞台意象？他摒弃了传统写实主义对“牢房”的简单模仿，转而构建一个巨大的存在主义隐喻。舞台不再是一个具体的地点，而是一个抽象的、极限的“境遇”。正如查明哲导演所追求的，他要在“血肉模糊的排练场上”锻造一座熔炉，炙烤的不仅是剧中的游击队员，更是每一个观众的灵魂。薛殿杰的舞美，正是这座熔炉最坚硬的炉壁。

三、核心：

彻底“暴露”的舞台与反幻觉的震撼

薛殿杰最具革命性的手法，是彻底撕碎舞台的幻觉。他故意将舞台上一切通常被隐藏的“后台”元素——粗粝的防火墙、冰冷的天桥、纵横的吊杆、裸露的线缆、甚至巨大的通风管道——全部毫无保留地暴露在观众眼前。整个舞台空间像一个被掏空了内脏的工业仓库，或者一个巨大的、未完工的刑场。这来源于1997年创作伊始，对于中央实验话剧院小剧场内固有建筑结构的创造性运用。

这种全方位的“暴露”，精准对应了剧中人物被剥夺一切伪装、赤裸裸地面对酷刑与死亡的“存在”境遇。它象征着人在极端环境下被彻底“物化”，尊严被剥夺，只剩下最原始的痛苦与选择。观众感受到的，是一种物理和心理上的双重窒息感。

这样的舞台在告诉观众：“你是在剧场看戏。”他强行打断观众的情感沉浸，迫使他们从“共情”转向“审视”，从对情节的关注转向对哲学命题的思考：如果是我，我会如何选择？何为英雄？何为背叛？何为存在的价值？

四、意象：

铁盒子与残酷的材料

冰冷的墙面制造了极强的视觉不稳定感和压迫感，仿佛整个空间随时会向演员与观众倾轧而来，完美具象化了人物精神世界的崩溃与坍塌。大量使用生锈的铁板、粗糙的水泥、冰冷的金属，拒绝任何美感与修饰。这种“材料诗学”追求一种触手可及的残酷真实，刑讯的冰冷、血液的粘稠、死亡的铁腥味仿佛都能通过视觉传递给观众，强化了环境的非人性。而在2025版本中，导演创造性的同舞美设计商量，将逼仄坚硬的墙壁，用一种“升华”方式进行再表达，届时，在灯光的运用之下，密不透风的墙壁和牢笼将被光影彻底打通，炼狱和地域即将融通。

五、共生：

与导演、表演的完美融合

薛殿杰的设计与查明哲导演的“残酷戏剧”理念形成了天衣无缝的共生关系。这个极端、压迫性的空间，迫使演员的表演必须调动全部的身体性。正如查明哲要求演员在“舒适中铸造不适的真实”，这个空间本身就是最大的“不适源”。昂利的“雕塑般”静止、吕茜被侮辱后的冰冷、卡诺里的沉默，都在这个空间中获得了更强的表现力。

灯光设计摒弃了任何温暖的色调，多用顶光、侧光等硬光，将人物切割成孤立的、雕像般的剪影，投射在冰冷的铁壁上，强化其孤独、绝望与现代悲剧感。查明哲在排练中甚至实验“黑灯”，让演员和观众“共享一种恐惧和黑暗”，这正是舞美理念的延伸。

《死无葬身之地》的舞台设计，远不是一个布景，而是一个具有独立表意功能的表演主体。它是继导演、演员之后的“第三表演者”，用沉默而强大的视觉语言，持续不断地向观众输出着萨特哲学的冰冷拷问。它让走进剧场的观众，无法再做一个安全的旁观者。你必须直面这片赤裸、倾斜、锈迹斑斑的视觉炼狱，必须与剧中人一同经历这场关于自由、选择与尊严的酷刑。最终，当大幕落下，那束“摇曳却顽强不息的存在之光”之所以能如此震撼人心，正是因为它曾在那片极致的黑暗中，燃烧得如此耀眼。