摘要：阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）的这幅《自画像》（Self-Portrait ）是一部极具开创性的杰作，画中的他大胆地以正面姿势绘制自己，直视着观众，一只手放在胸前。这种带着崇敬意味的构图传统上是用于对基督的描绘，而非普通人，对称的构图、深色

文艺复兴证明了人类可以同时拥抱理性与美。

——伏尔泰

续 上 篇

11.慕尼黑，老绘画陈列馆

阿尔布雷希特·丢勒，《二十八岁自画像》，1500年

阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）的这幅《自画像》（Self-Portrait ）是一部极具开创性的杰作，画中的他大胆地以正面姿势绘制自己，直视着观众，一只手放在胸前。这种带着崇敬意味的构图传统上是用于对基督的描绘，而非普通人，对称的构图、深色的背景和风格化的头发都让人联想到中世纪的宗教图像。

虽然在此之前也有画家创作自画像，但它们往往都是巧妙地置于更大的场景之中，丢勒的这幅肖像画之所以引人注目，是因为它只描绘了他自己，并且处于画面的中心。

他甚至颇为自负地用拉丁语签署了这幅画：“我，阿尔布雷希特·丢勒，来自纽伦堡，在28岁时用不朽的色彩如此描绘了自己。”，丢勒选择呈现自己的方式重新定义了艺术家的角色。

12.巴黎，卢浮宫博物馆

列奥纳多·达·芬奇，《蒙娜丽莎》，1503-1506年

在文艺复兴时期的画作中，唯一比达·芬奇《最后的晚餐》更著名的就是《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）了，它无疑是世界上最广为人知、参观人数最多的画作之一。

与那个时代的传统肖像画不同，达·芬奇让画中人物转向观众，增加了手部的描绘，并将她置于一个梦幻般的风景前。

她那淡淡的微笑和宁静的表情似乎会随着你站立的位置而变化，赋予了这幅画著名的神秘莫测的特质。达·芬奇使用的柔和、朦胧的技法——被称为“晕涂法”（sfumato），使得光与影之间的过渡几乎难以察觉。

达·芬奇花了很多年时间创作这幅画。他大约从1503年开始，不断地添加一层又一层微妙的细节。

人们普遍认为画中的人物是丽莎·盖拉尔迪尼，一位佛罗伦萨的女子。不过随着时间的推移，关于她的身份也引发了许多理论和猜测。

它被放置在卢浮宫展厅内的防弹玻璃后面。画作尺寸并不大，但每年吸引着数百万人前来观赏。

13.米兰，布雷拉美术馆

拉斐尔，《圣母的婚礼》，1504年

拉斐尔（Raphael）创作《圣母的婚礼》（The Marriage of the Virgin）时年仅21岁（画上有签名和日期），就已经展现出了那种将定义他艺术生涯的自信与优雅。

这个场景取材于中世纪流行的文本《黄金传说》。它描绘了玛利亚和约瑟夫的婚礼，一位牧师则在一座宏伟的庙宇前主持婚礼。

约瑟夫正将戒指戴在玛利亚的手指上，他凭借一根开花的杖赢得了她的芳心。这是一个奇迹，证明了他是被选中的求婚者。

虽然画中人物的姿势优雅，但真正主导画面的是建筑，背景中的圆形庙宇为这幅画奠定了基础，营造出了完美的深度感和对称性。它反映了拉斐尔对古典平衡和几何学的痴迷。

14.佛罗伦萨，乌菲齐美术馆

米开朗基罗，《多尼圆形画》，1505-1506年

米开朗基罗（Michelangelo）的《多尼圆形画》（Doni Tondo），又名《圣家族》，是他在西斯廷教堂之外最重要的绘画作品，这是他唯一的大型木板画

这幅画是富有的佛罗伦萨人阿尼奥洛·多尼为纪念他的婚礼和孩子的出生而委托创作的。米开朗基罗以雕塑家的视角来处理画中的人物，每个人物都有一种强烈的、几乎像是雕刻出来的外观，尤其是肌肉发达的圣母玛利亚。

她强壮的手臂和稳健的姿势非常引人注目，而且极具身体的力量感。与早期文艺复兴时期典型的温柔优雅的圣母形象大相径庭。

当米开朗基罗创作这幅画时，梵蒂冈博物馆中著名的《拉奥孔》雕塑刚刚在罗马被发现。其扭曲的人物形象似乎对他产生了影响。

《多尼圆形画》的构图紧密盘绕，有着复杂的螺旋结构，引导着观众的视线贯穿整个场景。这种动态的运动风格将成为后来风格主义（Mannerist）的一个标志。

整个画面色彩鲜艳且有点不自然，让人感觉这不是一个典型的圣家族场景。画中人物有一种紧张感和强烈的情感，有一种领先于时代的活力。

15.威尼斯，学院美术馆

乔尔乔内，《暴风雨》，1508年

乔尔乔内（Giorgione）的《暴风雨》是世界上最令人费解和备受争议的文艺复兴画作之一。

乔尔乔内本身就是一个有点神秘的艺术家，他的艺术生涯很短暂，年仅37岁就去世了。但这幅作品确保了他在艺术史上的地位。

这幅画首次展出时，观众们都感到困惑。画中的主题与任何已知的宗教或神话场景都不相符。

它只是描绘了一位正在哺乳婴儿的女性和一位在附近注视着的男性。从那以后，评论家和学者们一直在猜测它的含义。

一些人认为《暴风雨》标志着风景画作为一种艺术类型的开端。戏剧性的场景设定——一片暴风雨中的天空笼罩着一片郁郁葱葱、充满氛围的风景——似乎与画中人物同样重要。那位女性回头凝视着观众，仿佛意识到了你的存在。

另一些人则认为乔尔乔内是故意打破所有规则。也许这幅画根本不是为了讲述一个道德或圣经故事，而只是一幅富有诗意的图像。还有一些人仍然将它与圣家族在逃往埃及途中的休息联系起来。

无论如何，乔尔乔内为解读留下了很大的空间，而这正是它至今仍然吸引着人们的原因。

16.梵蒂冈城，梵蒂冈博物馆

拉斐尔，《雅典学院》，1509-1511年

拉斐尔的《雅典学院》（The School of Athens）位于梵蒂冈博物馆的签字厅，这是四个拉斐尔房间之一。这幅壁画描绘了一场想象中的古代伟大思想家的聚会。

画面中央是柏拉图和亚里士多德，他们正在进行一场哲学辩论。柏拉图手指向天空，亚里士多德则指向大地。在他们周围是数十位杰出人物，包括苏格拉底、毕达哥拉斯、欧几里得和第欧根尼。

建筑风格显得宏伟壮观，拱门和筒形拱顶的灵感来自布拉曼特为圣彼得大教堂所做的设计。这是文艺复兴时期透视法的完美范例：所有的线条都将你的目光引向柏拉图和亚里士多德。

当然这里不仅仅只有对称性。拉斐尔将列奥纳多、米开朗基罗，甚至他自己的肖像都融入到了场景中，将古代与现代融合在了一起。

17.梵蒂冈，西斯廷教堂

米开朗基罗，《创造亚当》，1512年

米开朗基罗的《创造亚当》（Creation of Adam）是西斯廷教堂天花板上最具标志性的场景，它也是艺术史上最广为人知的图像之一。

《圣经》中说上帝用尘土创造了亚当。而米开朗基罗选择了一个更具戏剧性的画面：两只伸出的手几乎要触碰到一起。

在他的版本中，上帝是一个肌肉发达、充满活力的形象，周围环绕着天使，他伸手向亚当传递生命的火花。那一个手势，那几乎要触碰的瞬间，已经变得如此著名，以至于常常被误认为是《圣经》中上帝创造亚当的真实时刻。

亚当躺在下面，有着完美的躯体，他仰望着他的创造者，带着平静的期待。他们手指之间的空隙充满了张力，仿佛生命本身即将跨越这一空间。

一些学者认为米开朗基罗在这幅图像中嵌入了一个隐藏的解剖学图形，暗示上帝被框在一个人类大脑的轮廓之中。

无论如何解读，这个传奇的“上帝之手”至今仍激发着从艺术史辩论到咖啡杯设计等各种灵感。

18.威尼斯，圣玛利亚荣耀教堂

提香，《圣母升天》，1516-1518年

提香（Titian）的《圣母升天》（Assumption of the Virgin）位于圣玛利亚荣耀教堂（Santa Maria Gloriosa dei Frari）的圣坛，当你沿着教堂的中殿走下去时，可以通过一个拱门看到它。

这幅画尺寸巨大，长20英尺，宽11英尺, 这是提香在二十多岁时完成的第一个重要公共委托作品。

这幅画描绘了圣母玛利亚被带入天堂的时刻，与文艺复兴时期其他更为克制的关于这个主题的作品不同，提香的版本充满了动感和情感。

玛利亚朝着一道金色的光芒升起，双臂敬畏地举起，使徒们向上伸展，天使们在她周围盘旋。画面的构图分为三层——大地、天空和神圣之地——创造出一种清晰的垂直动感，反映了玛利亚升入天堂的旅程。

真正使这幅画与众不同的是提香对光线和色彩的掌控,画面充满了活力，闪耀着红色和金色的光芒。它有一种神圣的戏剧性，打破了早期宗教艺术的静态(甚至是呆板)感。

19.罗马，巴贝里尼宫

拉斐尔，《拉芙娜瑞娜》，1520年

不仅因其美丽而闻名，还因其背后的恋情而备受关注。拉斐尔深深地迷恋着特拉斯特维雷一位面包师的女儿——玛格丽塔·卢蒂（Margherita Luti），并为她绘制了《拉芙娜瑞娜》（La Fornarina）这幅肖像。

他们的恋情始于拉斐尔在附近的法尔内西纳别墅（Villa Farnesina）绘制壁画期间。他对卢蒂如此痴迷，以至于总是延误工期，这让他的委托人阿戈斯蒂诺·基吉（Agostino Chigi）感到沮丧，最后他只好通过各种方式，说服卢蒂搬到拉斐尔工作的那部分房屋中与他同住，这样工程才得以完成。

拉斐尔英年早逝，年仅37岁。根据艺术史学家乔治·瓦萨里的说法，他是因“过度的爱情”引发的热病而去世的。许多人认为在他生命的最后一晚，《拉芙娜瑞娜》陪伴在他身边。

这幅肖像本身对于拉斐尔来说有着不寻常的性感意味：她的手放在胸前，姿势让人联想到古代的维纳斯雕像。这将她与爱神联系起来，也暗示了画作背后的激情。

20. 波士顿，伊莎贝拉·斯图尔特·加德纳博物

提香，《劫夺欧罗巴》，1562年

《劫夺欧罗巴》的故事取材于奥维德（Ovid）的《变形记》中的一个神话，在这个神话中，众神之王朱庇特（Jupiter）爱上了凡人欧罗巴（Europa）。他伪装成一头温顺的白牛，引诱她骑上自己的背。然后，朱庇特背着她游过大海，将她掳走。

提香以其丰富的色彩调色板、感性的形式和神话故事的讲述而闻名。《劫夺欧罗巴》是他为西班牙国王菲利普二世创作的一系列被称为“诗画”（“poesies”）的作品之一，这些作品将诗歌与绘画结合在取材于古典神话的场景中。

据说，1896年，当伊莎贝拉·斯图尔特·加德纳（Isabella Stewart Gardner）击败了包括卢浮宫和伦敦国家美术馆在内的主要机构购买这幅画时，创下了当时的世界纪录。

来源：聊一聊艺术吧6