摘要：这是怎么被发现的，过程其实挺简单：有粉丝把两条广告的关键画面截成帧，发在社交平台上，一张一张对比。别人先是随便看看，看到几帧长得像，就开始放大细看。很快就有更多人把画面并排摆出来，对着看。有些截图时间轴对不上，谁也不保证镜头顺序完全一样，但从取景角度、镜头习惯

王楚钦和孙颖莎最近拍的一些代言片，被许多网友看成几乎用的是同一套镜头语言：坐车、看后视镜、抓领带

这是怎么被发现的，过程其实挺简单：有粉丝把两条广告的关键画面截成帧，发在社交平台上，一张一张对比。别人先是随便看看，看到几帧长得像，就开始放大细看。很快就有更多人把画面并排摆出来，对着看。有些截图时间轴对不上，谁也不保证镜头顺序完全一样，但从取景角度、镜头习惯到几个动作细节，重合度确实挺高。于是讨论就热了。

把这些画面凑到一起，会发现几类一眼就能认出来的“老面孔”。第一类是车内的静态取景：演员坐在副驾驶或者后排，镜头从车门夹缝或者窗外斜着推进，光线偏暖，不像影棚那种刻意打高度对比的灯，反而像傍晚的自然光。第二类是把后视镜当作构图前景：镜头里同时有镜子里的反光和镜内人的表情，车外的街景或者路灯作为点缀，画面层次被利用起来。第三类是手部的特写，抓领口、整理领带或衣领的瞬间被放大，镜头贴得很近，剪辑节奏也快，给人一种“这一瞬间很自然”的感觉。把这几种元素放一块儿看，确实容易让人有“套模板”的错觉。

相似感不止是动作堆叠，还在审美上。王楚钦和孙颖莎都是年轻有活力的公众人物，品牌想传达的就是那种都市、干练又带点生活感的形象。画面里不会用太复杂的服装或夸张的色彩，后期调色也走清爽、偏暖的路线。演员的表演被处理成“似乎是随手做的动作”，但那恰恰是刻意设计的瞬间——镜头把本来可能平常的一举一动放大了，观众就觉得自然。很多代言片都爱这种处理，久而久之，视觉味道就容易互相靠近。

这背后有商业和制作的逻辑。品牌先定一个基调：想要生活感还是商业感，目标人群是谁。导演和摄影师拿到这些指令后，会去搭分镜脚本，那些在市场上被验证过的镜头更受欢迎。现场拍摄受时间、场地、预算限制，常用镜头会被保留，调整的是服装、台词和小动作。现在短视频节奏快，交付时间短，很多团队会沿用已有的“镜头库”去拼分镜。省时省力，也降低失败风险。换句话说，雷同画面往往不是偷工减料那样的想象，而是市场化运作的结果。

再谈传播层面。大家看短视频时都习惯滑动刷信息，容易从一堆影像里记住几个“关键词”：在车里、看后视镜、抓领带，这些画面有视觉钩子。有人把这些钩子截成图，有人做成并列对比的视频，然后配上讨论或调侃语，转发就上去了。社交平台的放大效应让本来在制作环节就常见的镜头，被普通观众当作“复制粘贴”来审视。不同的声音会冒出来：有人觉得是通用剧本，有人怀疑是同家制作公司，有人说纯属巧合。讨论的焦点，大多停留在视觉相似上，而不是制作合同或具体工作流程。

把人物身份也放进来看就更明白。王楚钦、孙颖莎在体育圈都算热度高的年轻面孔，品牌找他们代言，有两个算盘：一是人物本身带的年轻、职业化形象，二是他们能带来稳定的粉丝流量。把这样的面孔放进“容易被受众接受的视觉模板”，从广告效果上讲，风险低，也更容易得到管理层和客户的认同。所以有时候画面重合，可能是策略性选择——把目标受众套在一个大家都觉得“靠谱”的视觉里。

细节上还可以看见一些小东西能说明问题。比如用后视镜作为前景，这种构图能在有限的空间里创造深度；抓领带或整理领口的手部特写，很容易制造出“生活化但有态度”的瞬间；暖色光线让人觉得舒适、不做作。导演和摄影师常常把这些写进分镜里，演员在现场做两三个版本，后期剪辑会把最顺眼的那一帧放大。当这些可被重复运用的“好用镜头”被多次拿出来，观众就会觉察到模式感。

我个人觉得，这种相似既带来熟悉感，也让人更挑剔。熟悉是因为这些镜头符合当下流行审美，挑剔是因为观众对“新意”有期待。说白了，广告行业现在是稳妥优先，创新排后——尤其是在短视频和快节奏交付的环境下。大家用同一套镜头库，像是不同菜馆都用了同款酱油，味道差不多，就容易被人拿来对比。

从发现到热议再到猜测原因，这一套流程其实很能说明当下内容生产和消费的链条。起初是粉丝注意到画面，再有人把细节放大，社交平台把对比图和讨论推得更远，最终形成一轮公共讨论。那些看起来不起眼的元素——光线、镜头切换的节奏、演员手部的一个动作——都成了争论的焦点，像是小小的证据链，支撑起整个讨论。

要是广告导演们真有个统一的模板库，粉丝们大概真的能把每一条片尾拆开念一遍。

来源：奇幻蛋糕ga