摘要：2024年全球艺术品拍卖市场持续降温，年度最高价TOP20门槛缩水至2300万美元，较2023年暴跌34%，超5000万美元成交的拍品仅3件，较去年腰斩式下滑。比利时超现实主义大师雷内·马格利特（René Magritte）凭借《光之帝国》以1.21亿美元登顶

2024年全球艺术品拍卖市场持续降温，年度最高价TOP20门槛缩水至2300万美元，较2023年暴跌34%，超5000万美元成交的拍品仅3件，较去年腰斩式下滑。

比利时超现实主义大师雷内·马格利特（René Magritte）凭借《光之帝国》以1.21亿美元登顶，成为本年度唯一破亿美元成交的孤品，同时刷新艺术家拍卖纪录。

本年度榜单呈现显著多元化特征，13位艺术家瓜分20个席位。法国印象派巨匠莫奈（Claude Monet）以3幅作品成为最大赢家，两幅《睡莲》与一幅《吉维尼的干草堆》横跨1893-1917年创作周期，展现持续市场统治力。

梵高（Vincent van Gogh）、巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）、培根（Francis Bacon）及霍克尼（David Hockney）四位艺术家各占两席，构成榜单中坚力量。

从全球拍卖版图看，纽约仍以12件成交量的绝对优势掌控艺术资本命脉，伦敦、香港各占3席，巴黎与维也纳分别贡献1件高价拍品。

三大拍卖行势力格局稳固：佳士得（Christie's）狂揽TOP20中12件，苏富比（Sotheby's）斩获6席，富艺斯（Phillips）与维也纳im Kinsky各占1件，头部效应持续加剧。

《光之帝国》
（L’empire des Lumières）

René Magritte，1954年，145.4 x 113 cm
成交价：1.21亿美元，2024年11月 Christie's 纽约

《光之帝国》系列是比利时超现实主义大师勒内·马格里特（René Magritte）最具代表性的创作题材，充分展现了他对“矛盾”与“神秘感”的探索。

1. 作品主题与象征意义

《光之帝国》系列最大的特点是画面中共存的“昼夜反差”——画面上半部分是蔚蓝的白天天空，飘着明亮的白云，而下半部分却是沉入黑暗的夜晚场景，街道与房屋静谧而幽深，仅有窗户与路灯散发着微弱的光。昼夜并存的景象制造了一种视觉与心理上的冲突，打破了自然规律，挑战了人们对现实的认知。这种“看似不可能”的场景，正是超现实主义强调的“潜意识”与“现实”之间的张力。

在马格里特的艺术语言中，“昼夜共存”象征着意识与潜意识、真实与虚幻的边界模糊。高耸的树木剪影和倒映着灯光的水面进一步强化了画面中的不确定感，使观者陷入对存在与虚无的思考。

2. 1954年版《光之帝国》的艺术地位

这幅1954年版的《光之帝国》是马格里特创作的17幅油画之一，尺幅为145.4 x 113 cm，采用竖版构图，是《光之帝国》系列中的重要代表作。画面中的昼夜反差、静谧的环境和细腻的笔触，将马格里特标志性的超现实风格展现得淋漓尽致。

3. 拍卖市场的高度认可

这幅《光之帝国》源自已故美国室内设计师米卡·埃尔特根（Mica Ertegun）的私人收藏。2022年，另一幅1961年创作的《光之帝国》曾在伦敦苏富比拍出5942万英镑（约合7970万美元）。而此次1954年版《光之帝国》以7500万美元起拍，经过长达10分钟的激烈竞价，最终以1.05亿美元落槌，含佣金成交价达1.21亿美元，刷新了马格里特作品的最高拍卖纪录。

4. 艺术史与市场价值的双重高度

《光之帝国》系列作为马格里特探索“现实与幻象”主题的经典之作，不仅在艺术史上具有重要地位，也在市场上屡创佳绩。作品所呈现的视觉冲突和心理张力，使其成为收藏界和学术界共同追捧的对象。这幅1954年版的《光之帝国》在拍卖场上的成功，进一步巩固了马格里特作为超现实主义大师的市场地位和学术价值。

「TOP 2」

《标准加油站，定价十美分的对半撕开》
（Standard Station, Ten-Cent Western Being Torn in Half）

Edward Ruscha，1964年，165.1 x 308.6 cm

成交价：6926万美元，2024年11月 Christie's 纽约

《标准加油站，定价十美分的对半撕开>》（Standard Station, Ten-Cent Western Being Torn in Half）是美国战后艺术中极具象征意义的作品，展现了战后美国在文化和社会层面的巨大转变。

1. 作品主题：旧文化与新形象的对立与融合
爱德华·鲁沙（Edward Ruscha）通过这幅作品，揭示了美国战后文化的断裂与重塑。画面中，高耸的加油站象征着美国现代化与工业化的崛起，而天空中撕碎的《流行西部》漫画则代表着传统美国文化，特别是与牛仔、边疆精神相关的“旧美国”形象。
撕裂的《流行西部》漫画标志着传统西部牛仔文化的破裂与消亡，暗示着战后美国逐渐告别以拓荒和边疆为代表的西部叙事，迎向工业化、城市化和消费主义的新纪元。这种“新旧交替”的主题，使作品兼具历史感和现代感。

2. 视觉语言：工业感与动态感的结合
鲁沙以美国国旗的红、蓝、白为主色调，构建出极具现代感的画面。画面采用对角线构图，使视觉线索从左下方的加油站延伸至右上方的撕裂漫画，形成明显的动感和方向性。
加油站的建筑以笔直的线条为主，展现出工业化时代的冷峻与力量感；而加油机旁的黑色橡胶软管则成为少量的曲线元素，在直线主导的画面中形成视觉上的节奏变化，增添了一丝动态和自然感。
鲁沙通过高度设计感的画面结构，强化了作品的现代主义特质，体现出波普艺术对工业时代的解构与再创造。

3. 象征意义：新旧文化的碰撞与过渡
作品中，撕裂的《流行西部》漫画与加油站的视觉并置，形成了象征意义上的强烈对比：
- 《流行西部》漫画：代表西部牛仔、拓荒精神、自由与浪漫的“旧美国”。
- 加油站：代表工业化、城市化和消费文化的“新美国”。
这种“新”与“旧”的冲突，正是20世纪中期美国社会在文化、经济与历史叙事中所面临的深刻变革。
此外，漫画书的“10美分”定价与加油机标牌上的“10美分汽油税”相呼应，提示了从“拓荒时代”到“工业时代”的文化与经济过渡。鲁沙通过这种镜像式的象征，强化了作品在美国历史叙事中的深层含义。

4. 鲁沙的创作背景：66号公路与美国文化
鲁沙曾说：「我不像莫奈那样有一条塞纳河，我只有一条从俄克拉荷马城到洛杉矶的66号公路。」66号公路是美国现代历史与文化的象征，它既是通往“美国梦”的道路，也是工业化与城市化进程的见证。
鲁沙从66号公路沿线的加油站建筑中汲取灵感，将其作为现代美国的象征符号。画中的加油站建筑简洁而硬朗，展现出工业文明的冷静与力量感，成为战后美国社会新秩序的象征。

5. 艺术风格与波普艺术的创新
鲁沙的这件作品结合了波普艺术与错视画（trompe l’oeil）的技法：
- 波普艺术强调对大众文化与消费文化的再现，画中的加油站和漫画正是美国日常文化的代表。
- 撕裂的漫画采用了错视画效果，使其仿佛“贴”在天空之上，打破了画面与现实的界限，增强了作品的视觉冲突感。
鲁沙在波普艺术的基础上，加入了更具象征意义的文化符号，打破了波普艺术仅停留在“图像再现”的局限性，使作品在艺术史和文化史的层面上具有更深刻的影响。

6. 文化意义与历史地位
《标准加油站，定价十美分的对半撕开》不仅是波普艺术的重要作品，更是对美国战后社会与文化的深刻注解。通过“加油站”与“漫画书”的并置，鲁沙巧妙地揭示了美国社会从“西部牛仔文化”向“工业与消费文化”转型的历史脉络，凸显了战后美国社会的新旧更替和文化张力。
这件作品因此成为20世纪美国艺术史上的标志性作品，也为波普艺术注入了更为复杂的文化叙事和历史视角。

「TOP 3」

《睡莲》
（Nymphéas）

Claude Monet，约1914-1917年，175 x 135.4 cm
成交价：6550万美元，2024年11月 Sotheby's 纽约

克劳德·莫奈（Claude Monet）的《睡莲》系列，不仅是印象派的经典之作，更在现代艺术史上具有里程碑意义。莫奈晚期的这幅大尺幅油画，正是他对艺术语言不断探索和突破的杰出代表。

1. 题材与背景：池塘中的自然诗意
莫奈的《睡莲》系列源于他位于法国吉维尼（Giverny）的私人花园。这个花园不仅是莫奈生活的栖息地，更是他创作灵感的重要来源。
自1890年代起，莫奈在自家池塘种植睡莲，并专注于描绘这一主题。睡莲的浮动、倒影与水面的波纹交织在一起，为莫奈提供了捕捉光影与氛围的完美题材。

2. 画面分析：从具象到氛围感的转变
这幅作品展现了莫奈晚期风格的重要特征——抛弃传统的风景画透视法则，追求更为主观的氛围表现。
- 无地平线、无透视：
莫奈刻意模糊了空间的界限，不再描绘明确的地平线或远近景深，避免观众产生固定的视觉焦点。这种构图方式（即“满幅式构图”或all-over composition）后来对抽象表现主义产生了深远影响。
- 近乎俯瞰的视角：
莫奈放弃传统的远景透视，而是采用近距离、近乎俯视的角度，将观众“拉近”到水面的细节之中。这种视角模糊了天地之间的界限，池塘仿佛成了一个独立的梦幻空间。
- 色彩与氛围：
莫奈用宝石般的紫色与浓郁的蓝色铺满水面，为画面营造出静谧而深邃的氛围。点缀其间的白色、粉色与黄色睡莲，仿佛漂浮在波光粼粼的池塘之上，赋予画面勃勃生机。

3. 光影与瞬间性：莫奈的独到之处
莫奈对光线和色彩变化的敏锐捕捉，使这幅《睡莲》充满了时间的流动感。
- 水面的波动、睡莲的轻盈、阳光投下的斑驳光影，都表现出景物瞬息万变的动态感。
- 莫奈通过细腻的笔触，将池塘中水光倒影的微妙变化凝固在画布之上，展现出他对自然景象“稍纵即逝”之美的深刻体悟。

4. 从印象派到抽象主义的桥梁
莫奈在这幅《睡莲》中淡化了具体形象，转而强调色彩、光影与氛围的营造。这种脱离具象、注重主观感受的表现手法，被视为对抽象艺术的先声。
- “满幅式构图” 打破了画面边界，强化了图像的平面感，直接影响了后来抽象表现主义艺术家如杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）等人的创作。
- 莫奈晚期作品中愈发自由、松散的笔触和层层叠加的色彩，也预示着20世纪现代主义艺术的发展方向。

5. 文化与艺术史地位
莫奈的《睡莲》不仅是印象派的经典之作，更被视为他艺术生涯的巅峰之作。它突破了传统风景画的局限，探索了空间、色彩与情感的融合，成为连接印象派与现代抽象艺术的重要桥梁。
这幅画传达出一种静谧而冥想的氛围，仿佛将观众带入一个超越现实的精神世界，展现出莫奈晚年对自然、生命与时间流逝的深刻感悟。

「TOP 4」

《无题（ELMAR）》
（Untitled (ELMAR)）

Jean-Michel Basquiat，1982年，172.7 x 236.5 cm
成交价：4647.9万美元，2024年5月 Phillips 纽约

让-米歇尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）的《无题（ELMAR）》是一幅充满隐喻和自我探寻的代表性作品，展现了他在艺术巅峰时期对身份、成功与堕落的深刻思考。

1. 题材与背景：巴斯奎特的成长与创作环境
巴斯奎特出生于纽约布鲁克林，父亲是来自海地的移民，母亲则有波多黎各血统。成长于种族与文化交融的环境，使他自幼便对身份和归属感的问题充满困惑。
他在街头艺术（graffiti）文化中崭露头角，以“SAMO”为名在纽约街头涂鸦，迅速成为当代艺术圈的焦点。1980年代初，巴斯奎特走进画廊和博物馆，以街头文化为灵感，融合新表现主义与原始艺术风格，形成了自己独特的视觉语言。
《无题（ELMAR）》创作于1982年，此时的巴斯奎特已从街头涂鸦艺术家转变为国际知名的画家，但在面对艺术圈的掌声与商业成功的同时，他内心对身份的焦虑与冲突也愈发加剧。

2. 画面分析：充满象征意义的场景
这幅《无题（ELMAR）》采用巴斯奎特标志性的原始狂野风格，人物形象、符号和文字交织在一起，形成紧张而充满张力的画面。
-「战士」与「天使」的对峙
- 红衣战士象征着巴斯奎特在艺术界的成功和力量，手中的弓箭指向天使，暗示着他在面对外界成功时，内心对自我与纯真的威胁和侵蚀。
- 天使形象呈现出黑色的大鸟姿态，身处蓝色海洋中，仿佛在挣扎和逃避。这一形象可能代表巴斯奎特内心的理想主义和脆弱灵魂。
- 「ELMAR」的文字寓意
画面中央的“ELMAR”来自西班牙语「el mar」（大海），在巴斯奎特的语境中，大海既是自由与未知的象征，也可能暗示着力量与危险的并存。
- 大海作为背景，既可以理解为巴斯奎特的文化根源（海地、加勒比），也可能象征着他在艺术世界中漂泊不定的身份感。
- 荆棘王冠的隐喻
战士与天使头上的荆棘王冠暗示着受难与牺牲的精神，象征成功背后所伴随的痛苦和压力。
- 战士射向天使的那一刻，仿佛是一种自我毁灭的宿命，表现出巴斯奎特对名声与内在纯真的冲突。

3. 文化与身份的冲突：挑战权威与自我迷失
巴斯奎特作为非裔艺术家，进入由白人主导的艺术体系，本身便是一种对体制的挑战。
- 战士射向天使，可能反映出他在面对艺术商业化和社会结构的压力时，担心自己“背叛”了最初的创作初心。
- 这幅画呈现出他在名利与自我之间的挣扎：成为明星艺术家是否意味着失去真实自我？
巴斯奎特借用希腊神话中伊卡洛斯（Icarus）的意象，表达了“飞得越高，摔得越惨”的悲剧性命运。正如伊卡洛斯因飞得太近太阳而坠落，巴斯奎特在艺术和商业成功的巅峰，却在1988年因吸食过量海洛因英年早逝，年仅27岁。

4. 巴斯奎特的艺术语言与风格
《无题（ELMAR）》展现出巴斯奎特鲜明的创作特征：
- 图像与文字的融合：ELMAR的文字、战士和天使的形象交织在一起，形成充满视觉冲击力的场景。
- 原始与狂野的笔触：他通过粗犷的线条和扭曲的形象，呈现出直接而本能的表达方式。
- 高饱和的色彩对比：红衣战士与蓝色大海、金色阳光，构成强烈的色彩张力，强化了作品的象征意义。

5. 巴斯奎特的精神遗产
《无题（ELMAR）》作为巴斯奎特艺术成熟时期的代表作，不仅展现了他对身份与成功的思考，更体现了他在艺术语言和精神层面的突破。
这幅作品中蕴含的力量、脆弱与迷失，正是巴斯奎特短暂而璀璨一生的缩影。通过“战士”与“天使”的对峙，他在画布上提出了一个至今仍在艺术界回响的命题：
在成功与自我之间，如何保持灵魂的完整？

「TOP 5」

《利塞尔小姐的肖像》
（Portrait of Fräulein Lieser）

Gustav Klimt，1917年，140 x 80 cm
成交价：3500万欧元（约合4409.73美元），2024年4月 im Kinsky 维也纳

《利塞尔小姐的肖像》不仅是克里姆特（Gustav Klimt）艺术生涯中最后的杰作之一，更承载着奥地利社会与历史的印记，经历近百年的失落与重现，使其成为艺术市场和学术界的焦点。

1. 背景与历史沿革

《利塞尔小姐的肖像》绘制于1917年，是克里姆特生前最后一批作品之一。创作时期正值奥地利政治与社会剧烈动荡的年代，第一次世界大战即将结束，奥匈帝国的衰落让贵族阶层和犹太富商的生活方式面临解体。

作品完成后，曾在1925年短暂展出，但之后便从公众视野中消失，长期被认为已遗失。2024年1月，这幅作品在失踪近百年后被重新发现，并以3500万欧元的价格成交，创下奥地利艺术拍卖市场的历史纪录。这一发现不仅为克里姆特的作品研究增添了重要拼图，也在艺术市场上引发巨大轰动。

2. 画面分析：女性形象与克里姆特的创作风格

克里姆特的肖像画，以对女性形象的塑造和装饰性语言著称。《利塞尔小姐的肖像》延续了他在“黄金时期”（Golden Phase）中形成的装饰性风格，但色彩和笔触呈现出更自由与松散的晚期特征。

- 人物塑造：柔美与装饰的结合

- 画中女性身份尚未被完全确认，但推测是奥地利犹太富商 Justus Lieser 或 Adolf Lieser 的女儿。

- 她身着一件覆盖着丰富花卉图案的披风，呈现出克里姆特标志性的装饰风格，与其《阿黛尔·布洛赫-鲍尔夫人》中的服饰描绘相呼应。

- 女性形象姿态自然，面容平静，展现出典雅而略带神秘的气质。

- 背景与色彩的象征性

- 背景采用大胆的红色，与披风上的花卉图案形成对比，营造出强烈的视觉冲击力。

- 红色在克里姆特的创作中具有双重象征意义：一方面代表生命与激情，另一方面也隐喻着奥地利当时的社会动荡与不安。

- 笔触与构图：后期风格的成熟体现

- 相比“黄金时期”中精致的金箔装饰，《利塞尔小姐的肖像》的笔触更加松散、自由，表现出克里姆特晚期作品趋向印象主义的特征。

- 花卉披风的描绘手法介于具象与抽象之间，暗示着艺术家在晚年对视觉语言的探索与突破。

3. 社会与历史背景：奥地利犹太富商阶层的象征

克里姆特创作的肖像画，多数是为当时维也纳的贵族和富裕犹太家庭所定制。利塞尔小姐可能出身于奥地利犹太富商家庭，这在19世纪末和20世纪初的维也纳并不罕见。

- Justus Lieser 或 Adolf Lieser 家族

Lieser 家族是奥地利著名的犹太富商家族，财富积累主要来源于工业与金融领域。在奥地利帝国晚期，犹太精英阶层在维也纳的文化与经济发展中扮演重要角色。

- 克里姆特曾为多位犹太贵族家庭成员绘制肖像，如《阿黛尔·布洛赫-鲍尔夫人》便是著名的犹太收藏家家庭所委托。

- 在纳粹时期，许多犹太家族的艺术收藏遭到没收或流失，这可能是《利塞尔小姐的肖像》在20世纪消失的原因之一。

- 女性形象的社会意义

克里姆特的女性肖像不仅展现个体之美，更成为当时女性地位与社会身份的隐喻。

- 利塞尔小姐在作品中表现出从容与自信的姿态，代表着当时受过良好教育、参与社会活动的女性形象。

- 在奥匈帝国解体前夕，这种自由和优雅的形象，成为旧时代即将消逝的象征。

4. 作品的市场价值与学术意义

克里姆特的肖像画在艺术市场上极为稀有，尤其是私人收藏中的完整女性肖像更是难得一见。

- 2024年3500万欧元的成交价，不仅刷新了奥地利艺术拍卖市场纪录，也彰显了克里姆特在全球艺术市场的持续影响力。

- 在拍卖市场上，克里姆特的肖像画始终位列高价之列，如：

- 《阿黛尔·布洛赫-鲍尔夫人 I》（1907）于2006年以1.35亿美元成交，成为当时全球最昂贵的画作之一。

- 《画家和她的情人》（1917-1918）在2023年拍出近1亿美元。

《利塞尔小姐的肖像》的发现和高价成交，进一步巩固了克里姆特在艺术史和市场中的重要地位。

《利塞尔小姐的肖像》不仅是克里姆特艺术成熟期的典范之作，更是他晚年创作中自由笔触与装饰风格融合的代表。

在这幅作品中，克里姆特以华丽的花卉、松散的笔触和神秘的表情，捕捉了一种介于现实与梦境之间的氛围。这幅肖像也承载着维也纳文化的黄金时代与随之而来的动荡命运，成为奥地利历史与艺术的重要象征。

时隔百年重现，这幅画不仅是克里姆特留给世界的艺术遗产，更是他对女性之美与人类精神世界的永恒颂歌。

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巴勃罗·毕加索 Pablo Picasso,安迪.沃霍尔, 文森特.梵高Vincent Gogh, 亨利.马蒂斯Henri Matisse, 弗里达·卡罗 F.KAHLO, 格哈德·里希特 G.Richter, 威廉·阿道夫·布格罗 W A Bouguereau, 马克·夏加尔M. Chagall, 克劳德·莫奈 C.Monet, 伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因 Rembrandt, 圭尔奇诺 Guercino, 马蒂亚·普雷蒂 Preti, 翁贝特·波丘尼 U. Boccioni, 鲁西奥·芳塔纳 L.Fontana, 弗朗西斯·培根 F. Bacon, 让-米歇尔.巴斯奎特J.M.Basquiat, 拉斐尔·桑西 Raffaello, 卡纳列托 A. Canaletto, 保罗·委罗内塞 Veronese, 皮埃尔.奥古斯特.雷诺阿 P.A. Renoir, 保罗.塞尚P.Cezanne, 雷尼·马格利特 R.Magritte, 萨尔瓦多.达利 S. Dali, 阿梅代奥.莫迪利亚尼 A.Modigliani, 希罗尼穆斯·博斯 H.Bosch, 弗朗西斯科.戈雅 F.Goya, 彼得.保罗.鲁本斯 P.P. Rubens, 丁托列托 Tintoretto, 弗朗索瓦·布歇 F. Boucher, 安东尼·凡·克 A.Van Dyck, 弗朗西斯柯·德·苏巴朗 F. Zurbaran, 草间弥生, Kaws, 奈良美智, 赵无极等

来源：北京温钦画廊