摘要：构图，绝非是简单机械地套用公式，而是一门通过对画面元素进行巧妙组织，从而精准传递拍摄者独特视角与内心情感的艺术。对于接受过专业科班教育的摄影师而言，他们往往从美术史中构图的演变历程开始学起。

有摄友问，摄影构图要不要专门去学一下？

看别人拍的时候也没有专门比划着怎么取景怎么构图，也是举起相机就拍了，成片也挺好看的。

如果有需要，是可以针对性的学习一下的。

其实有没有必要，你去同样的机位拍拍就能发现了：为什么别人随手一拍的照片，就充满故事感，而自己精心准备拍摄的照片，却显得平淡无奇？

其实，造成这种差距的关键因素，就在于构图思维的不同。

构图，绝非是简单机械地套用公式，而是一门通过对画面元素进行巧妙组织，从而精准传递拍摄者独特视角与内心情感的艺术。对于接受过专业科班教育的摄影师而言，他们往往从美术史中构图的演变历程开始学起。

而自学成才的摄影师们，则大多是从模仿网红照片起步。在这个过程中，他们会在不断的修图实践中，逐渐发现一些构图问题。比如主体过于居中，会导致画面显得呆板，缺乏灵动性。

不管是科班学习，还是自学摸索，这两条路径的本质，都是摄影者从单纯地被视觉直觉引导，走向主动掌控视觉语言的过程。

在科班的课程体系中，对构图理论的讲解是系统且深入的，并非仅仅停留在表面的技巧传授。

比如在分析安塞尔・亚当斯的风光摄影作品时，老师会详细拆解他如何巧妙地运用黄金分割线，来精准地平衡画面中的地平线与山脉。在他那幅著名的《月升》作品中，将月亮、山脉和地面的亮度比例，按照区域曝光系统进行严格控制，使画面不仅在光影上层次丰富，在构图上也达到了完美的平衡，展现出大自然的宏伟与神秘。

学生们在学习这些经典案例的过程中，不仅仅是记住了 “三分法” 这样简单的口诀，更重要的是，他们能够深入理解不同构图方式背后所蕴含的心理暗示。例如，水平线构图，常常会给人带来一种稳定、宁静的感觉，就像平静的湖面，让人内心安宁；斜线构图，则传递出一种动感与活力，仿佛是奔跑的运动员，充满了力量；对称式构图，适合用于表现建筑的庄严与神圣，就像古老的宫殿，展现出庄重的气质。

这种系统化的理论输入，让他们在面对各种拍摄场景时，能够依据理论知识，做出合理的构图选择，避免了自学时那种 “知其好却不知为何好” 的迷茫状态 。

科班学习的独特之处，还在于它能够帮助学习者打通摄影与多个艺术门类之间的关联，从而实现审美素养的全面提升。在科班生的课程表中，艺术史、色彩心理学，甚至雕塑课等，都是重要的必修课。

学习艺术史，就像是沿着时间的长河，去探寻艺术发展的脉络。

在卡拉瓦乔的作品中，如《圣马太蒙召》，光线从画面的一侧强烈地照射进来，照亮了主要人物，而其他部分则沉浸在黑暗之中，这种明暗对比，营造出了一种戏剧性的氛围，使画面充满了张力。这种对明暗对比的理解和感悟，能够直接迁移到人像摄影的光影构图中。在拍摄人像时，摄影师可以运用侧光或逆光，来制造出强烈的明暗效果，突出人物的面部轮廓和表情，展现人物的性格特点。

日本浮世绘的留白美学，也是科班生学习的重要内容。

浮世绘作品中，常常会留出大片的空白，例如葛饰北斋的《神奈川冲浪里》，画面中巨大的浪涛占据了大部分空间，而天空则留出了大片空白，这种留白，不仅使画面更加简洁、富有意境，还增强了画面的艺术感染力。科班生在学习了这种留白美学后，会自然而然地将其应用到极简风格的拍摄中。在拍摄风景时，他们可能会选择简洁的背景，将主体突出在画面中心，周围留出适当的空白，使画面呈现出一种简洁、空灵的美感。

这种跨领域的审美积淀，使其不再仅仅局限于技术层面的操作，而是成为了摄影师表达个人艺术观念和情感的有力工具。通过将摄影与其他艺术门类相融合，科班生能够在构图时，展现出更加独特的视角和创新的思维，创作出更具艺术价值的摄影作品。

自学构图的摄影师，往往会凭借自己的兴趣和热情，专注于特定的摄影题材。他们就像是一群执着的探险家，在自己热爱的领域里不断探索，挖掘出独特的构图宝藏。

比如专注于人像摄影的自学摄影师，在拍摄了一段时间之后，对不同场景下的人像构图有了深刻的理解。在逆光环境中，他们会巧妙地运用中心构图，将人物的轮廓光突出展现，使人物仿佛被一层神秘的光环所笼罩，营造出一种梦幻而又浪漫的氛围；在拍摄情侣时，他们又会运用引导线构图，利用延伸的道路、蜿蜒的小径等元素，将情侣之间的互动感强化。观众的视线会沿着引导线自然地聚焦在情侣身上，仿佛能够感受到他们之间流淌的甜蜜爱意。

这种基于真实拍摄场景的经验积累，让他们在面对各种拍摄需求时，能够迅速做出反应，运用最合适的构图方式，满足客户的期望。

自学构图的过程，摄影师们没有被传统构图规则所限制，反而更容易发挥出自己的创造力，探索出独特的构图方式。

比如在城市风光摄影中采用倒置构图来拍摄城市的倒影。将相机倒置，以独特的视角捕捉城市在水面上的倒影，打破了传统的对称平衡。画面中，城市的建筑和灯光在水中颠倒呈现，形成了一种奇幻而又迷人的视觉效果。这种非常规的构图方式，让观众眼前一亮，仿佛进入了一个全新的世界。

在静物摄影领域也可以挑战传统。比如故意将主体偏离黄金分割点，通过失衡感来营造独特的视觉冲击。比如在拍摄一组水果静物时，将一个鲜艳的苹果放置在画面的边缘，而其他水果则散落在周围，形成一种不规则的布局。这种构图方式打破了常规的平衡，让画面充满了张力和戏剧性，引发观众的好奇心和探索欲。

在短视频时代，这种充满创造力的 “野生” 构图风格，更能吸引观众的眼球。在碎片化的信息传播中，观众渴望看到新颖、独特的内容。自学摄影师的反套路构图，正好满足了他们的需求，使作品在众多短视频中脱颖而出，迅速吸引大量的关注和点赞。

对于那些经过专业科班训练的摄影师来说，虽然他们拥有扎实的构图理论基础，但在实际拍摄中，也容易陷入一些误区。其中一个常见的问题就是，过度追求理论上的 “完美构图”，从而导致照片失去了真实感和自然的生命力。

在拍摄人像时，有些科班生可能会过于执着于严格遵循三分法，将人物的眼睛或面部精确地放置在三分线的交叉点上。虽然这样的构图在理论上是完美的，但在实际画面中，却可能会显得刻意和呆板，让人物的姿态和表情看起来不自然，仿佛是在生硬地摆拍。

同样，在拍摄纪实场景时，机械地套用构图公式，也会破坏现场的自然氛围。纪实摄影的魅力，就在于捕捉生活中那些真实而又生动的瞬间，展现生活的多样性和复杂性。如果摄影师在拍摄时，只想着如何将画面元素按照构图规则进行排列，而忽略了现场的氛围和情感，那么拍出来的照片就会显得空洞，缺乏感染力。

在这种情况下，摄影师更需要具备 “动态构图” 的意识。在快速抓拍的过程中，通过巧妙地利用人物的视线方向进行留白，给观众留下想象的空间，让他们能够更好地融入到照片所营造的情境中。运用开放式构图，让画面中的元素向画面外延伸，仿佛故事还在继续，从而保留故事的延伸感，使照片更具吸引力和张力 。

自学成才的摄影师，在通过大量的实战积累了丰富的构图经验后，也会遇到自己的瓶颈。他们常常会发现，尽管自己熟练掌握了一些常见的构图技巧，比如三分法构图，但拍出来的作品，总是比大师的作品少了一些 “高级感”。

造成这种差距的原因，往往在于他们忽视了构图与光影、色彩等其他视觉元素之间的协同作用。构图并非是孤立存在的，它需要与光影、色彩等元素相互配合，才能发挥出最大的效果。比如同样是运用中心构图拍摄人像，大师会巧妙地利用背景的冷暖对比，来强化主体的存在感。暖色调的主体在冷色调背景的衬托下，会更加突出，吸引观众的注意力。而新手摄影师可能只关注了人物在画面中的位置，而忽略了背景色彩对构图平衡的影响，导致画面整体效果不够理想。

这时候，自学摄影师就需要回过头来，补修一些基础理论知识，深入理解构图是一项 “综合视觉元素的系统工程”。他们需要学习如何根据不同的拍摄场景和主题，合理地运用光影来塑造立体感和层次感，利用色彩来传达情感和营造氛围。通过将构图与光影、色彩等元素有机地结合起来，打破自己的思维定式，突破拍摄瓶颈，从而提升作品的质量和艺术价值。

对于立志投身商业摄影领域的摄影爱好者来说，扎实的理论基础和丰富的实战经验，是通往成功的两把关键钥匙。

先利用 1 - 2 个月的时间，通过在线课程深入学习基础构图理论，是建立知识体系的重要一步。《美国纽约摄影学院教材》中的构图章节，是不可多得的学习资料。它系统地介绍了三分法、引导线、框架构图等多种构图技法，让学习者能够全面了解构图的基本原理和应用场景。在学习三分法时，教材中不仅详细讲解了如何将画面按照九宫格进行划分，将主体放置在交叉点上以达到画面的平衡与和谐，还通过大量的实际案例，展示了在不同拍摄场景下，如风景、人像、产品摄影中，三分法的具体应用方式，使学习者能够深刻理解这一构图法则的精髓。

在掌握理论知识的同时，每周完成不同主题拍摄的实战练习，是将理论转化为实际能力的关键环节。

对于追求艺术创作的摄影爱好者来说，多参观摄影展、深入分析大师作品集，是提升艺术修养和创作灵感的重要途径。

摄影展是一个汇聚了众多优秀摄影作品的艺术殿堂，在这里，摄影爱好者可以近距离欣赏到各种风格和题材的作品，感受不同摄影师的创作理念和艺术表达。

在参观摄影展和分析大师作品集的过程中，拆解每幅作品的构图思路是一个深入学习和理解的过程。可以从主体位置、线条走向、留白处理等多个方面入手，仔细分析每一个构图元素的作用和效果。

对于一幅以人物为主体的作品，拍摄者可以思考摄影师为什么将人物放置在画面的这个位置，是为了突出人物的表情和动作，还是为了与周围的环境形成对比。线条的走向是如何引导观众视线的，是水平线条营造出的稳定感，还是斜线带来的动感。留白的部分又传达了怎样的情感和意境，是宁静、孤独还是神秘。通过这样的分析，拍摄者能够逐渐掌握不同构图方式的运用技巧和表达效果。

无论你选择哪种摄影学习方式，建立 “构图复盘” 的习惯，都是提升构图能力的关键。

在每次拍摄完成后，运用 “构图 checklist” 进行自我检查，是发现问题和改进的重要步骤。

拍摄者可以从多个方面进行检查，主体是否突出是构图的核心问题。如果主体在画面中不够突出，观众就很难理解拍摄者想要表达的主题。拍摄者可以思考自己是否通过大小、颜色、位置等方式，有效地突出了主体。线条是否引导视线？留白是否合理？

通过这样的自我检查，拍摄者能够及时发现构图中存在的问题，并在下次拍摄时加以改进。

对比同场景的优秀作品，分析别人如何通过构图强化主题，是快速提升构图水平的有效方法。

在拍摄同一片海滩时，不同的摄影师可能会运用不同的构图方式，来展现海滩的不同魅力。大师可能会采用低水平线构图，将水平线放置在画面的下方三分之一处，突出天空的壮丽和辽阔。而自己的照片可能因为采用了中规中矩的三分法，将天空和大海平均分配在画面中，显得平淡无奇。

这种对比分析的过程，就像是与大师进行一场无声的对话，让拍摄者能够从他人的作品中汲取灵感和智慧，在摄影的道路上不断进步。

科班与自学并非对立，本质是 “系统化输入” 与 “碎片化实践” 的区别。

新手不必纠结 “是否必须报班”，更该关注：是否真正理解每一次按快门时的构图意图？是否在持续积累属于自己的视觉表达语汇？

来源：摄影研习社