摘要：实际上，绘画之所以不同于摄影，最大的差别就是：绘画加入了创作者主观的审美，对原有的景象、物体，进行了提炼、概括，甚至改造、变形。例如今天要给大家看的这幅古画，很多人第一反应是“看不懂”：线条干巴巴，颜色灰蒙蒙，明明画的是黄山松，却跟照片差了十万八千里。但它偏就

一般人看画，都是以“画得像不像”作为评判标准。

实际上，绘画之所以不同于摄影，最大的差别就是：绘画加入了创作者主观的审美，对原有的景象、物体，进行了提炼、概括，甚至改造、变形。例如今天要给大家看的这幅古画，很多人第一反应是“看不懂”：线条干巴巴，颜色灰蒙蒙，明明画的是黄山松，却跟照片差了十万八千里。但它偏就凭着“不像实景”成了传世名作，还被石涛夸“得黄山之真性情”。

今天一笑带你去欣赏这幅名作，让你也能get这棵“极简松”的高级感。

先聊聊画这幅画的人——弘仁，堪称古代版“人生过山车选手”。他本名江韬，安徽歙县人（就是产歙砚的地方），出身望族却家道中落，考中秀才刚要逆袭，父亲去世、明朝灭亡接连暴击。抗清失败后躲进武夷山当和尚，法名弘仁，号渐江（划重点：不是浙江）。

这段人生经历，直接决定了他画画的风格：清冷、孤高、疏淡，像一杯没加糖的绿茶，初尝寡淡，细品回甘。

1649年，弘仁自武夷山回到黄山。自此，他主要就在安徽和江苏一带活动，尤其是黄山去得最多。

弘仁在黄山住了十多年，“挂瓢曳杖，憩无恒榻”，凌晨就出门写生，天黑才回来，连雪天也不耽误。别人游黄山是看风景，他是把黄山当成了精神寄托，用画笔给山河写“日记”。

弘仁一口气画了60幅《黄山图册》，《卧龙松图》就是其中的一幅。

现实中的黄山卧龙松，那可是实打实的“奇松界网红”：长在1676米的悬崖上，树干刚长20厘米就分两枝盘曲，像条卧龙趴崖壁上，昂首翘尾，清人夸它“百尺偃神龙”。但你拿着实景图对比弘仁的画，会发现：这松树怎么“瘦”成这样？

别急，这正是《卧龙松图》的第一个妙处——减法艺术，只留筋骨。

弘仁画松，从不用繁复笔墨，松针是寥寥几笔直线，枝干是硬挺的轮廓，连山石都画成方块、三角的几何形状，像搭积木似的。对比元代画家王蒙的画（山石层层叠叠，线条密如牛毛），弘仁的画简直是“裸骨风”：没有多余皴擦，没有浓墨渲染，却把松树枝干的遒劲、山石的坚硬画得明明白白。

这可不是偷懒，而是弘仁的“独家心法”。

倪瓒《幽涧寒松图》

弘仁早年疯狂崇拜倪瓒，他甚至写诗说：“迂翁（倪瓒）笔墨予家宝，岁岁焚香供作师。”但他又不甘心只当“倪瓒模仿秀冠军”，而是把倪瓒的“萧疏”转化成自己的“冷峻”。

用今天的话说：他不是在抄作业，而是在“站在巨人肩膀上搞创新”。

他现实中的卧龙松枝繁叶茂，他却大刀阔斧砍掉“赘肉”，只保留“横卧悬崖却昂首”的核心姿态——就像一个历经沧桑的人，褪去浮躁，只剩骨子里的倔强。

第二个欣赏点：似与不似之间，画的是风骨。

当时人就说“渐公（弘仁）画卧龙松，于黄山卧龙松绝不相似，然笔法高处，正妙在不似”。弘仁画的不是“游客眼中的卧龙松”，而是“他心中的卧龙松”。

这棵松里，藏着他自己的人生。曾经的抗清志士，面对亡国只能遁入空门，就像这棵长在悬崖缝里的松，环境再险恶，也不肯匍匐倒地。画里的松，看似“躺平”在山石上，枝干却透着一股向上的劲儿；笔墨虽冷，却藏着炽热的民族情怀。就像他自己说的“敢言天地是吾师”，他画的不是松的形，而是松的魂，是黄山的骨，也是自己的节。

第三个小技巧：看留白，品意境。

弘仁的画里，总有大片空白，《卧龙松图》也不例外。那些空白不是没画完，而是云雾、是天空，是“此时无声胜有声”的禅意。试想一下：悬崖上一棵孤松，周围云雾缭绕，没有多余景物打扰，是不是瞬间有了那种“荒僻幽寂”的感觉？

这种清冷感，正是弘仁的标签。经历了家破人亡、国破家亡，他的心里没有了热闹，只剩平静与孤高。他用简洁的线条、大面积的留白，营造出一种“不食人间烟火”的意境，让看画的人能静下心来，感受松的坚韧、山的沉静。

这就像拍美女，不用原相机直出，而是还得加滤镜+修脸+磨皮+拉长腿+收腰……你不是在记录现实，而是在打造理想形象。

弘仁也一样，他画的松树，也是他想要的松树形象，还加入了他对黄山、对时代、对人生的理解。

这棵“不像松”的卧龙松，之所以能流传至今，正是因为它画透了生命的坚韧，也画尽了一个文人的家国情怀。

所以，真正的艺术，从来不是复制世界，而是重新定义世界。

来源：翠艺阁精工