摘要：以往的神仙穿衣色泽鲜艳，各有特色。如《欢天喜地七仙女》每个仙女身穿不同的颜色，美的各有千秋；如《西游记》里的神仙，衣着色彩鲜艳，很有活力。

以往的神仙穿衣色泽鲜艳，各有特色。如《欢天喜地七仙女》每个仙女身穿不同的颜色，美的各有千秋；如《西游记》里的神仙，衣着色彩鲜艳，很有活力。

如今的仙侠剧，一水的白衣。角色不是披肩长发，就是头戴西式冠冕，天宫布景更被吐槽像“希腊神殿与《权力的游戏》混搭”。

从《三生三世十里桃花》的“抹胸亮片裙”到《驭鲛记》的“圣母头冠”，仙侠剧的服饰逐渐脱离东方美学，演变成一场“白色长裙+西式装饰”的流水线生产。

网友犀利总结：“正派穿白，反派穿黑，黑化必换黑衣烟熏妆。”

这种简单粗暴的视觉符号，让角色辨识度趋近于零，更与传统文化中神仙的多元形象背道而驰。

例如《西游记》中观音菩萨的素雅璎珞、太上老君的八卦道袍、哪吒的三头六臂，无不体现身份与职能的独特性，而如今的“白衣军团”却让观众审美疲劳：“神仙们不谈恋爱时，难道都在批发白床单？”

仙侠剧的服饰西化并非偶然。

早在2022年，《刘金凤》因日式服装引发“以倭代华”争议后，资本似乎转向了另一种极端——将希腊长裙、哥特头冠、宫廷立领等元素生硬嫁接于“东方幻想”中。

例如《上古情歌》中角色甚至直接穿上单肩希腊风礼裙，被调侃为“奥林匹斯山团建”。

这种设计逻辑暴露了创作团队的投机心态：一方面以“架空幻想”为借口规避历史考据，另一方面又缺乏对东方美学的深层理解，只能照搬西方视觉符号制造“高级感”。

殊不知，中国神话体系本身便具备丰富的服饰文化根基。

道教神仙的鹤氅羽衣、佛教菩萨的璎珞天衣、民间传说的霓裳羽衣，乃至《神仙传》等网游中“火神仙衣”的流光战甲、“水神仙衣”的缥缈水雾，皆是可挖掘的宝藏。

而当下剧集却舍近求远，折射出文化自信的严重缺失。

对比荧幕上的“白色灾难”，中国古籍与文物中的神仙形象堪称一场视觉盛宴：

庄重威严型

如永乐宫壁画中的玉皇大帝，头戴十二旒冕冠，身着玄色十二章纹衮服，体现“天人之尊”；

飘逸灵动型

敦煌飞天的帔帛飞扬、吴带当风，仅凭衣袂走势便传递出“乘云气，御飞龙”的逍遥；

奇诡神秘型

雷公的鸟喙双翼、钟馗的虬髯红袍，通过夸张造型强化职能特征。

这些形象绝非“非黑即白”，而是通过色彩、纹样、材质构建身份叙事。

例如红色象征祥瑞（如月老）、青色代表生机（如青龙）、金色彰显神权（如玉帝），甚至细节处的云纹、回纹、八卦图等纹饰，皆是对宇宙观与哲学思想的隐喻。

反观当下仙侠剧，不仅抛弃了这些文化符号，更将“东方幻想”窄化为“白色长裙+金线刺绣”的刻板公式，无异于自我阉割。

服装西化背后，是一条由资本、流量与工业化生产串联的产业链：

西式礼服设计门槛低，可批量采购现成配饰（如塑料头冠、蕾丝布料），相比考究的传统服饰节省大量定制成本；

制片方深谙“黑红也是红”的逻辑，争议性造型反而能制造热搜话题，如《封神榜》魔改版中梁咏琪的“红桃皇后妆”至今被吐槽；

年轻观众受西方影视与二次元文化影响，对“精灵风”“宫廷风”接受度较高，制作方为求稳妥选择“安全牌”。

然而，这种短视策略正在反噬行业。

当《三千鸦杀》以敦煌壁画为灵感设计神女服饰、河南老君山以传统神仙形象打造文旅IP时，观众用真金白银投票证明：对传统文化的创新诠释，远比拙劣的西化模仿更具市场吸引力。

重建仙侠剧的服饰美学，需从三个维度发力：

1. 文化深耕：从传统中寻找灵感

借鉴历史服饰形制：如唐代襦裙的层叠飘逸、明代道袍的宽大洒脱；

活用神话符号：如将“河图洛书”转化为纹样、以“五行”对应配色体系；

参考非遗工艺：苏绣、缂丝、点翠等技艺可提升服装质感。

2. 叙事赋能：让服装成为角色语言

《神仙传》游戏中的“火神仙衣”通体流光，暗合火神祝融的战神属性；“水神仙衣”以水雾环绕凸显柔美，服饰与角色设定高度统一。

影视剧亦可借鉴此思路，例如用破损铠甲暗示战神历劫、以素麻质地表现扫地僧的返璞归真。

3. 技术革新：激活传统美学的现代表达

陆仙人在伦敦时装周融合汉服剪裁与未来主义面料，证明传统与先锋并非对立。

仙侠剧亦可借助3D打印、数码印花等技术，在保留东方神韵的同时突破材质限制，打造“既熟悉又陌生”的视觉奇观。

拒绝“白色霸权”，重拾东方幻想的魂与根

神仙穿衣，从来不是“颜色选择题”，而是文化认同的试金石。

当资本用流水线白裙敷衍观众时，我们却在《哪吒之魔童降世》的混天绫、《白蛇：缘起》的珠钗襦裙中看到希望：

只有扎根传统、大胆创新，才能让中国神仙在荧幕上真正“活”起来。

毕竟，五千年的服饰美学宝库，不该沦为西幻审美的背景板。

来源：生活需要电影