“完美主义”执念，请放下！

摘要：追求完美是所有艺术创作的目标，也是所有艺术工作者工作的特质。我的大学校训就是“追求完美、创造卓越”，小时候听到以为只是一句鼓舞人心的口号，但在个人工作和不断成长中，慢慢理解了这句话的深意。

文 | 俞倩如

追求完美是所有艺术创作的目标，也是所有艺术工作者工作的特质。我的大学校训就是“追求完美、创造卓越”，小时候听到以为只是一句鼓舞人心的口号，但在个人工作和不断成长中，慢慢理解了这句话的深意。

“完美”是很难得的。我们一直在追求，却很少达到真正完美的状态。一年的演出中，真正称得上“完美”的，能有一两场就已经非常不错了。一年给学生上几百节课，又有几节课的状态可以令双方都满意，称得上“完美”的呢？

说到练琴的过程，就更难“完美”了。平时的练琴，一定是“发现问题—解决问题—又发现新问题”的过程，问题似乎永远都解决不完，哪里有什么完美可言。所以一些特别追求完美的学生就很容易在练琴过程中产生烦躁情绪，甚至“不想练了”“不想学了”。而特别追求完美的家长给孩子的精神压力更是无时不在。这样的家长，典型表现就是无论孩子怎么拉，在他这里都无法收获肯定，永远都是指出问题，无法看到孩子的进步。最后，孩子大人都很崩溃，“不想练了”“不想学了”，这在教学中屡见不鲜。

如何在教学中打破这种毫无必要的“完美主义”呢？

当学生展现出追求完美的意识，比如觉察到音不准、发音不干净时要求重新练，对于这种情况，教师首先要肯定。同时，要鼓励学生“先拉完这一句”，再停下来纠正问题。学生因为一个音没拉好就随时停下来，忽略了对完整性的追求，上台后就特别容易“翻车”。所以教师要帮助学生在学琴早期就掌握好这个度，了解什么时候需要停下来练习，而什么时候必须演奏下去，追求完整。

许多家长、教师喜欢在孩子拉琴时打断，看到问题就立刻吼出来，甚至有的还上手阻止，这些都会破坏孩子演奏的专注度，也会让他们不断强化“自己演奏得不好也不对”这个印象。其实我之前的教学也有这个问题，后来发现效果很差。我现在的方式是，先让学生拉完，再给出建议。这样他的头脑和我的情绪都是清晰和稳定的，我们更容易一起找到主要问题，而不会因为一些细枝末节的事情破坏演奏的完整性。

其次，要允许自己暂时“拉不好”“达不到”。每个人的潜力都是无限的，但是每个人都有自己当下的局限性。在以前的教学中，我也会要求学生手指练习一定要跑到某个速度，或者一定要将某种技术立刻掌握到精确。但是随着教学经验的增长，我逐渐意识到，学生的成长是有规律、需要时间的，而且每个人的发力时间不一样。如果因为学生在教师认为的时间段里没有成长到“设想的那么多”，就放弃对这个孩子的信心和教学，很可能会丢失一些好苗子，也不利于自己教学的进步。因此，需要在孩子努力的前提下，允许他们只达到教学目标的70-80%。（前提是让他们知道100%的标准在哪里），其余的部分慢慢交给时间和孩子自己去完成，最终仍会得到很好的教学效果。

最后，要意识到所有人都是不完美的，包括演奏家们。教师不但不应该在学生面前“神化”或者“完美化”自己，反而要让学生意识到，在音乐面前，所有人都是一个登山者，登完一座山还有更高的山峰等着我们去挑战。所有人都需要练习，练习时都会遇到各种各样的难题，只不过程度不同，难题大小也不一样，没有绝对的“练好”，只有相对的进步。意识到这一点后，学生就可以更加客观地看到自己和别人的差距，不会过分感到焦虑。我在练习感到焦虑时，就会看一些演奏家真实生活的纪录片。当我看到希拉里·哈恩这样的天才也要慢练换把，练好多次才能越来越准；吉东·克莱默这样的大师也会因为达不到自己的标准而发火烦躁；王健这样身经百战的演奏家上台也会紧张……我就会破除心里那“自己必须演奏完美”的执念，这样在演奏和练习时反而更加容易正视自己，避免不必要的心理负担。

总之，“完美”是我们理想化的追求方向。我们或许可以在追求的过程中偶尔达到某个感觉“完美”的瞬间，但是不要把这种感觉一直拽在手里，毕竟，不完美、有缺陷才是生活和学习的常态。而真实地去面对不完美和缺陷，才有可能离我们追求的“完美”越来越近。

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