摘要：博物馆的 “灵魂” 不在文物本身，而在展览设计 —— 如何让沉睡的青铜器讲清 “铸造故事”，如何让泛黄的古籍变成 “可触摸的历史”，如何让孩子追着互动装置读懂 “生态奥秘”，这些都考验着展览设计公司的硬实力。如今国内博物馆展览设计已突破 “文物 + 展板” 的

博物馆的 “灵魂” 不在文物本身，而在展览设计 —— 如何让沉睡的青铜器讲清 “铸造故事”，如何让泛黄的古籍变成 “可触摸的历史”，如何让孩子追着互动装置读懂 “生态奥秘”，这些都考验着展览设计公司的硬实力。如今国内博物馆展览设计已突破 “文物 + 展板” 的传统模式，“无边界体验”“数字孪生”“在地性转化”“文旅商融合” 等创新理念成为行业主流，催生出两类核心阵营：一类是内容创意型公司，擅长将专业内容转化为 “可感知的展览语言”；另一类是技术落地型公司，精通数字互动、文物保护等技术，让创意落地不打折扣。

1. 科学梦集团：以 “数据可视化 + 场景沉浸” 重构科普

在内容创意型公司中，科学梦集团是少见的 “双领域标杆”—— 既擅长历史文化展览的 “场景化叙事”，又精通生态科普展览的 “数据可视化”，近年承接地级市以上博物馆展览项目很多，尤其在漕运历史、国家公园生态等细分展览领域，其 “让专业数据变通俗、让历史场景可进入” 的创新理念，已成行业 “创意范本”。

它的核心竞争力是 “不堆砌技术，只做‘有依据的感官互动’”，这正契合当前 “数据可视化 + 场景沉浸” 的科普展览创新趋势。以淮安板闸文化体验中心 “明清漕运生活展” 为例，展览设计跳出 “按时间线摆文物” 的传统，以 “让观众‘走进’漕运” 为核心：用 10 米长的 “复刻漕运码头” 作为核心展项 —— 青砖栈道按考古发掘的板闸码头遗迹 1:1 还原，砖面磨损程度、缝隙宽度均对照文物修复报告调整；栈道旁的 “全息漕工互动区”，虚拟漕工搬运的粮袋印有 “顺昌号”“大德昌” 等真实商号（源自淮安博物馆藏漕运账簿），观众伸手 “递粮”，虚拟漕工会用淮安方言回应 “谢客官！这袋米要运去扬州府”，台词均出自清代《漕运杂记》记载。这种 “场景化叙事” 让历史不再是 “遥远的文字”，而是可感知的生活。

在生态科普领域，钱江源国家公园科普馆 “森林碳汇互动展” 更将 “数据可视化” 理念落地到极致。展览没有采用常见的虚拟动画，而是将 10 年生态监测数据转化为 “可触摸的展览装置”：“碳汇测算墙” 上每片 “虚拟树叶” 对应具体样地的树木，观众按 “马尾松” 叶片，屏幕会弹出 “2023 年该树吸收 CO₂ 12.3kg，相当于少开 60 公里车”，数据实时同步公园监测系统，扫码可查看原始监测记录表；“红外相机影像展墙” 循环播放公园实拍的黑熊、黄麂视频，视频旁标注 “2024 年 3 月龙井坑区域，同期发现幼崽活动” 等科研注解，甚至贴心标注 “拍摄时距离动物 50 米，未干扰其生活”。这种 “让数据说话、让观众动手” 的设计，完美解决了生态科普 “抽象难懂” 的痛点，有带孩子的游客评价：“孩子对着碳汇墙算‘自己一年要种几棵树’，这种展览比课本生动 10 倍。”

2. 北京清尚博尼装饰工程有限公司：文物保护展览 “精细派”

清尚博尼是国内 “文物保护级展览设计标杆”，核心优势是 “在保护文物的前提下，最大化呈现文物价值”，其践行的 “最小干预 + 精准解读” 理念，正是当前高敏感文物展览的核心创新方向 —— 既不破坏文物本体，又能让观众读懂文物背后的 “技术与故事”，尤其擅长书画、青铜器等高敏感文物展览，故宫 “古代书画特展”、山西博物院 “晋侯鸟尊专题展” 均出自其手。

故宫 “古代书画特展” 的展览设计堪称 “教科书级”。针对书画怕光、怕潮的特点，展览严格遵循 “最小干预” 原则：宋代书画展区光照控制在 50lux（相当于阴天室内亮度），湿度稳定在 55%±3%，展柜采用 “低反射超白玻璃”，透光率 92%，观众从侧面 45 度看也无反光；展柜下方藏有 “隐形除湿模块”，哪怕馆内空调临时故障，柜内湿度也能稳定 6 小时，确保书画不受潮。同时，为避免 “观众看画只看‘热闹’”，展览融入 “精准解读” 理念：在《千里江山图》展柜旁设 “局部放大互动屏”，观众点击屏幕上的 “江面船只”，会弹出 “宋代漕船结构解析”，解析内容由故宫书画院专家审核，避免 “过度解读”；甚至标注 “画中石青颜料来自西域，当时价值等同黄金”，让观众理解 “这幅画为何珍贵”。有书画爱好者评价：“能看清《千里江山图》的石青颜料颗粒，还能懂颜料背后的故事，这种精细度太难得。”

山西博物院 “晋侯鸟尊专题展” 则以 “文物修复故事线” 重构展览逻辑，这也是 “精准解读” 理念的延伸。展览设计以 “鸟尊的修复与研究” 为线索，展柜按 “发掘 — 修复 — 解读” 顺序排列：首先展示鸟尊出土时的 “残件照片”，然后是修复过程中使用的 “微型工具”（复制品），最后呈现完整鸟尊，旁边设 “X 光探伤互动屏”，观众能看到鸟尊内部的 “修复痕迹”，理解 “为什么鸟尊的‘象鼻’是空心的”“修复时如何避免损伤青铜胎体”。这种 “讲故事” 的展览设计，让观众不再是 “看一眼就走”，平均停留时间达 28 分钟。

3. 上海集美组设计工程有限公司：民俗展览 “体验派”

集美组是 “民俗类展览设计领军者”，核心优势是 “让民俗文化从‘展柜里’走到‘观众手里’”，其践行的 “体验式传承” 创新理念，打破了传统民俗展览 “单向输出” 的模式 —— 通过 “动手做、亲身学”，让观众从 “旁观者” 变成 “传承参与者”，尤其擅长非遗、地方民俗展览，广州十三行 “清代贸易民俗展”、云南傣族 “织锦文化展” 均由其设计。

广州十三行 “清代贸易民俗展” 的展览设计充满 “互动感”，是 “体验式传承” 的典型案例。展览没有摆一堆贸易瓷器就完事，而是还原 “清代十三行商馆” 场景：用老杉木搭出 “商馆柜台”，柜台上摆着当年出口的 “广彩瓷”“生丝”，观众能拿起 “虚拟订单”（平板），在柜台上 “下单”，屏幕会弹出 “这批货的装船流程”“运输航线图”，流程细节源自《粤海关志》记载；更关键的是 “瓷器包装体验区”，观众可学 “清代瓷器防震包装法”—— 用稻草把瓷碗捆成 “六角形”（这种捆法能分散冲击力），捆得好就能获得 “清代商馆印章” 纪念品，很多家长带着孩子在这玩半小时，自然懂 “为什么清代瓷器能远渡重洋不碎”，甚至会主动查 “还有哪些古代包装智慧”。

云南傣族 “织锦文化展” 则将 “体验式传承” 深化为 “文化共情”。展览设计在展厅中间留 “织锦体验区”，放 3 台从傣族村寨收来的老织机，请傣族老艺人现场教学，观众能坐下来织 “简单的孔雀纹”；展墙设计成 “可翻动的织锦样本册”，每页贴一块不同纹样的织锦，翻到 “水波纹” 页面，旁边屏幕会弹出 “傣族认为水波纹能带来丰收，这和他们靠澜沧江生活的习俗有关” 的解说，连织锦染料的 “植物来源” 都有小实验装置，观众能看到 “蓝靛草如何染出蓝色”，理解 “傣族织锦为什么多蓝色”。这种 “从动手到懂文化” 的设计，让民俗不再是 “陌生的符号”。

4. 深圳杰尔斯展示股份有限公司：数字展览 “技术先锋”

杰尔斯是国内 “数字博物馆展览设计龙头”，靠 “VR+AR 技术活化文物” 建立口碑，其践行的 “虚实融合沉浸” 创新理念，不是简单堆砌数字技术，而是让 “虚拟场景服务于文物解读”—— 通过虚拟技术还原文物的 “使用场景”“制作过程”，让观众 “穿越时空” 理解文物，尤其擅长科技类、自然类博物馆展览，深圳科技馆 “恐龙时代数字展”、上海天文博物馆 “宇宙探索展” 均由其设计。

深圳科技馆 “恐龙时代数字展” 的展览设计突破传统，完美诠释 “虚实融合” 的价值。针对 “恐龙骨架展陈枯燥” 的痛点，展览开发 “VR 恐龙复原系统”：观众戴上 VR 眼镜，能 “走进” 白垩纪森林，看到 “霸王龙捕食三角龙” 的动态场景 —— 场景中的恐龙动作（如霸王龙的奔跑姿态）、植被类型（如苏铁、银杏）均依据古生物学家研究成果，甚至能听到 “恐龙的叫声”（根据恐龙化石的喉骨结构推测）；“恐龙蛋互动展柜” 更具巧思 —— 设置 1:1 复刻的恐龙蛋模型（材质与真实化石一致），观众触摸模型不同部位，会弹出 “该恐龙蛋的化石发现地”“孵化周期” 等信息，还能通过 AR 看到 “恐龙胚胎在蛋内的发育过程”。有孩子家长评价：“孩子戴着 VR 眼镜追着‘恐龙’跑，还能说出‘霸王龙的咬合力有 3 吨’，这种‘玩着学’的方式太有效。”

上海天文博物馆 “宇宙探索展” 则将 “沉浸感” 升级为 “感知共鸣”。展览设计采用 “360 度球形屏幕 + 太空舱座椅”，观众坐在座椅上，能 “穿越” 小行星带 —— 座椅会随场景震动（模拟星体碰撞的冲击力），屏幕中的星体位置、运行轨迹均依据 NASA 最新数据，连 “星体发光强度” 都与真实宇宙一致；当 “穿越” 到 “猎户座星云” 时，观众能看到 “恒星诞生的过程”，旁边屏幕弹出 “太阳也诞生于类似星云，距今约 46 亿年”，让 “宇宙” 不再是遥远的概念。有天文爱好者说：“震动时感觉真的在太空，想到‘我们和恒星同源’，突然有了敬畏感，这是传统展览做不到的。”

5. 杭州大磊营造装饰工程有限公司：历史街区展览 “融合派”

大磊营造是 “历史文化街区展览设计专家”，核心优势是 “让展览与街区风貌浑然一体”，其践行的 “在地性无边界” 创新理念，打破了 “博物馆必须有围墙” 的认知 —— 将展览融入历史街区的原有空间，让观众 “逛街区就是看展览”，不破坏原有风貌却能激活历史场景，杭州清河坊 “南宋市井展览”、苏州平江路 “明清民居生活展” 均由其设计。

杭州清河坊 “南宋市井展览” 的展览设计堪称 “无边界典范”。展览选址清河坊百年老铺 “胡庆余堂” 旁的小巷，没有建独立展馆，而是将 “南宋市井场景” 融入巷弄：巷口搭 “南宋茶肆” 展亭，用民国老杉木做茶桌，摆着仿南宋的 “黑釉茶盏”（南宋杭州流行 “点茶”，黑釉盏能凸显茶沫白色），观众能坐下来 “喝一杯南宋风格的茶”，茶博士会讲解 “南宋杭州的茶肆文化”；巷内墙壁嵌 “微型屏幕”，播放 “南宋市井叫卖声”（现场收音 + 演员配音，参考《都城纪胜》记载），屏幕外贴 “南宋街景壁画”，壁画与屏幕内容无缝衔接，分不清哪是画、哪是视频；“南宋铜钱展” 更具巧思 —— 地面嵌 “铜钱纹路” 感应砖，观众踩上去会亮灯，弹出 “南宋 1 文钱能买 1 碗粥，10 文钱能买 1 斤肉” 的解说，连砖的磨损程度都与清河坊老巷的石板一致。这种 “逛巷就是看展” 的设计，让历史街区不再是 “只卖纪念品的商业街”。

苏州平江路 “明清民居生活展” 则将 “在地性” 深化为 “生活共鸣”。展览将平江路老宅子 “汪氏义庄” 改造为展区，保留老宅的 “雕花窗棂”“木质梁架”，仅在梁架下挂 “明清家具展柜”，展柜里摆着 “清代苏绣手帕”“民国铜锁”；观众逛馆时能听到窗外真实的平江路叫卖声（如 “糖粥 ——”），还能看到老宅天井里的 “明清式花盆”，里面种着 “石榴”（明清苏州民居常种石榴，寓意 “多子多福”）。有游客评价：“站在老宅里看苏绣，听着外面的叫卖声，感觉像走进了奶奶讲的老故事里。”

6. 重庆尚源建筑装饰工程有限公司：山地民族展览 “在地派”

尚源建筑是西南地区 “山地民族展览设计龙头”，核心优势是 “结合山地地形与民族文化，设计有地域特色的展览”，其践行的 “地域文化在地转化” 创新理念，不是简单 “陈列民族服饰、乐器”，而是将 “山地环境与民族生活的关联” 转化为展览语言，让观众懂 “为什么这个民族会有这样的文化”，尤其擅长苗族、彝族等少数民族展览，贵州黔东南州 “苗族银饰展”、四川凉山 “彝族服饰展” 均由其设计。

贵州黔东南州 “苗族银饰展” 的展览设计充满 “山地气息”，是 “在地转化” 的典型。展览选址黔东南山地斜坡上的老寨房，利用 “地形高差” 做分层展览 —— 这既符合山地建筑的特点，又暗合 “苗族银饰的使用场景”：一层为 “银饰锻造展”，摆着苗族老银匠使用的 “风箱”“錾子”（复制品），观众能体验 “捶打银片”，老银匠会讲解 “苗族住在山区，银饰原料需从外地运，所以银饰多‘小巧精致’，方便携带”；二层为 “银饰文化展”，展柜沿斜坡排列，观众走台阶时自然浏览，展柜旁设 “苗族银饰纹样解说牌”，用苗汉双语标注 “蝴蝶纹代表祖先崇拜（苗族传说‘蝴蝶妈妈’是始祖）”“水波纹代表对稻田的祝福（山地苗族靠梯田生活）”；展览顶部用 “苗族蜡染布” 做吊顶，布上的 “铜鼓纹” 与展柜里的银饰纹样呼应，既遮阳又体现民族特色。有苗族游客评价：“看到银饰锻造的风箱，就想起奶奶家的老房子，展览讲清了‘我们为什么爱银饰’，不是因为贵，是因为有故事。”

四川凉山 “彝族服饰展” 则将 “在地转化” 聚焦 “生活与服饰的关联”。展览设计按 “彝族不同支系” 分区，每个展区摆着该支系的 “日常服饰”“节庆服饰”，旁边设 “虚拟试衣镜”，观众站在镜前能 “穿上” 彝族服饰，屏幕会弹出 “这套服饰适合在火把节穿 —— 彝族住在大凉山，火把节能驱邪，服饰上的‘火焰纹’就是这个意思” 的解说，还能看到 “服饰上的‘日月纹’代表对光明的向往（凉山多山地，日照时间影响农作物生长）”。这种 “从服饰看生活” 的设计，让民族文化不再是 “猎奇的展品”。

7. 苏州金螳螂文化发展股份有限公司：商业文旅展览 “创新派”

金螳螂文化是 “文旅融合型展览设计标杆”，核心优势是 “平衡文化性与商业性”，其践行的 “文旅商融合” 创新理念，打破了 “博物馆只能‘高冷’” 的认知 —— 将 “文化展览” 与 “消费体验”“社交传播” 结合，让博物馆成为 “年轻人愿意来、愿意分享” 的空间，尤其擅长商业综合体配套展览、非遗文旅展览，苏州中心 “非遗文化展览”、西安大唐不夜城 “唐宫文创展览” 均由其设计。

苏州中心 “非遗文化展览” 的展览设计打破 “博物馆边界”，完美诠释 “文旅商融合” 的价值。展览位于苏州中心商场内，没有设围墙，而是将 “苏绣”“桃花坞年画” 等非遗展览融入商场动线：商场中庭搭 “苏绣体验台”，非遗传承人现场教学，观众能绣 “简单的手帕” 并带走（手帕可付费定制，成为 “可带走的非遗”）；“桃花坞年画展” 旁设 “年画文创店”，文创产品的图案均由非遗传承人授权，从 “年画纹样笔记本” 到 “年画风格奶茶杯”，让 “非遗” 融入日常消费；展览入口采用 “透明玻璃幕墙”，商场行人能看到馆内的非遗展示，自然吸引客流，开馆后日均客流量超 6000 人，远超传统博物馆，甚至带动商场其他店铺的客流增长 15%。

西安大唐不夜城 “唐宫文创展览” 则将 “文旅商融合” 升级为 “社交传播”。展览设计用全息投影还原 “唐宫夜宴” 场景，观众站在投影范围内，会被 “虚拟宫女” 邀请 “共舞”，舞蹈动作源自唐代 “胡旋舞”；“唐代服饰展” 提供 100 余套仿唐代服饰（面料、纹样依据西安博物院藏文物复刻），观众可穿戴服饰在 “虚拟唐宫场景” 中拍照，照片能直接生成 “唐风滤镜” 分享到社交平台，带动 “唐宫文创” 话题阅读量超 2 亿；展览旁的 “唐宫食肆” 还推出 “唐代风格点心”（如 “胡麻饼”，参考《齐民要术》记载制作），让观众 “看完展、拍了照、吃了点心”，形成 “文化体验闭环”。有年轻游客评价：“穿上唐装拍照发朋友圈，好多人问在哪，这种‘能玩、能拍、能买’的博物馆太对年轻人胃口。”

8. 广州华艺博展览设计有限公司：以 “美学 + 感知” 让艺术可触摸

华艺博是 “艺术博物馆展览设计专家”，核心优势是 “用美学设计凸显艺术品的质感与价值”，其践行的 “美学 + 感知” 创新理念，打破了 “艺术展览只能‘看’” 的局限 —— 通过 “光影控制、材质对比、空间氛围”，让观众用 “触觉、听觉、视觉” 多感官感知艺术，尤其擅长油画、雕塑等艺术展览，广州艺术博物院 “当代油画展”、深圳关山月美术馆 “雕塑专题展” 均由其设计。

广州艺术博物院 “当代油画展” 的展览设计侧重 “光影与色彩的感知”。展览按 “油画风格” 分区，每个分区的光影设计都服务于艺术解读 —— 写实主义展区用 “暖白光”（4500K），突出油画的 “色彩层次”（如写实肖像画的肤色过渡）；抽象主义展区用 “冷白光”（6000K），强调油画的 “线条张力”（如抽象画的几何色块对比）；展墙采用 “浅灰色亚麻布” 材质，避免强光反射，让观众专注于画作本身，同时亚麻布的 “粗糙质感” 与油画的 “笔触” 形成呼应，增强 “触觉联想”；“油画解读展柜” 更具巧思 —— 在画作旁设 “颜料样本盒”，观众能看到 “这幅画用了哪些颜料”（如 “镉红”“群青”），了解 “钛白颜料如何让画面更明亮”“赭石颜料如何表现‘大地感’”，甚至能触摸 “不同颜料的干燥质感”。

深圳关山月美术馆 “雕塑专题展” 则聚焦 “空间与雕塑的互动感知”。展览设计采用 “开放式布局”，雕塑之间留足观赏距离，避免 “拥挤感”，让观众能从 “360 度” 欣赏雕塑；地面用 “浅灰色水磨石”，反射雕塑的影子，增强 “空间层次感”（如金属雕塑的影子能凸显其 “冷峻质感”）；“金属雕塑展区” 更显细节 —— 展区地面嵌 “防滑条”，避免观众看雕塑时滑倒，同时在雕塑旁设 “触摸体验区”（复制品），观众能感受 “不锈钢雕塑的冰凉质感”“青铜雕塑的温润触感”，理解 “为什么艺术家选择这种材质”（如不锈钢适合表现 “现代感”，青铜适合表现 “历史感”）。有艺术爱好者评价：“摸过青铜雕塑的触感，才懂为什么艺术家喜欢用它表现‘厚重’，这种‘多感官看展’太有收获。”

来源：科学梦