米兰设计周｜三大新兴展区如何激活米兰？

摘要：在2025米兰设计周，新兴展区无疑备受瞩目，在第二辑中我们将重点介绍Capsule Plaza、Alcova与 Dropcity展区。它们不仅是一场设计展览，更像是三处“精神据点”，关于未来生活的社会实验。它们让我们重新审设计与城市的关系，也重新思考设计的边界

Preface

序言

在2025米兰设计周，新兴展区无疑备受瞩目，在第二辑中我们将重点介绍Capsule Plaza、Alcova与 Dropcity展区。它们不仅是一场设计展览，更像是三处“精神据点”，关于未来生活的社会实验。它们让我们重新审设计与城市的关系，也重新思考设计的边界。正如Capsule Plaza的策展人Alessio Ascari所言：“真正的设计革命，始于对‘生活’一词的重新定义”。

4月7日-13日，在米兰Spazio Maiocchi及卫星场馆。Alessio Ascari（Capsule创始人）与建筑师Paul Cournet合作策展的Capsule Plaza 2025以“Expanded Living（扩展生活）”为主题展开一系列设计展陈活动，探索设计作为“全体验”的潜力，打破传统家居边界，构建混合生态的生活方式。

自成立以来， Capsule Plaza始终以先锋姿态挑战设计的传统定义。2025年主题“Expanded Living”强调设计不仅是物理空间的塑造，更是文化、生态与情感的交织。通过跨领域合作，展览将家居环境延伸至公共领域，模糊私密与共享、功能与艺术的界限。策展团队提出：“设计应成为社会变革的催化剂，而非静态审美的载体”。

来到首个核心展区——瑞典品牌Hem以十周年为契机，通过“Unpacking Hem”展览呈现其设计哲学的双重性——“艺术与工业的共生”。主展厅陈列 Max Lamb、Sabine Marcelis 等设计师的经典家具，如Philippe Malouin的模块化沙发“Great Sofa”与复刻的“Experiment Chair”（原版在1980年代由Yrjö Kukkapuro设计），探讨“功能如何承载个人叙事”。两间附厅则化身“未来实验室”，展示玄武岩材质与植物生态结合的互动厨房系统，暗示家居空间向自然渗透的可能性。

移步入内，70Materia与厨电品牌Elica合作的Satellite LHOV则通过先锋姿态重新定义烹饪空间。核心装置是由玄武岩打造的定制操作台，搭载首款一体化烹饪设备LHOV™（集成烤箱、灶具与抽油烟机）。模块化组件通过磁吸系统自由组合，搭配Parasite 2.0设计的仿生灯具，将厨房转化为“蒸汽与光线共舞的生命体”。项目同时推出实验性研究“Orbita”，探索餐桌、储物图腾等形态的可持续设计。

Stone Island于Capsule Plaza推出全新声音装置项目《Friendly Pressure: Studio One》，以声音为研究手段，探索空间、感知与文化之间的交汇。

装置由Stone Island与伦敦音响实验平台Friendly Pressure合作完成，围绕“声音如何定义空间”的核心命题展开。整个系统采用定制模块化音响结构，核心配备由Bosco Taylor设计的扬声器系统与超低音单元，融合不同频率以实现情绪性与精准度并存的听觉体验。

空间设计灵感源自建筑师Carlo Scarpa，内部呈现极简主义语言，50平方米展区内设有Soundwave Jasmine打造的声学天花板及CC-Tapis定制地毯，以确保声音传播的最佳状态。配套陈设包括Fables Collective可调节音控台、Mitre & Mondays机架系统及由ANDA_BA打造的模块化座椅，为访客带来完整的身体与感知沉浸。

该装置亦是Stone Island“LAB & LIFE”哲学的延伸——“LAB”代表对材质与工艺持续而严谨的探索，“LIFE”则反映个体身份、社会感知与集体情感状态。通过与C2C Festival艺术家与策展人合作，项目展开为期一周的文化编程，涵盖音乐演出、对话与即兴DJ现场，呈现品牌在当代声音文化中的多元语境与持续革新。

在另一侧，北欧画廊Nordiska Galleriet联合NM3、Willo Perron与Paul T. Frankl推出新系列。NM3首次以木材诠释工业美学，打造道格拉斯冷杉与非洲柚木家具；1940年代Paul T. Frankl的鸡尾酒桌复刻版则成为“现代主义与爵士时代的时空对话”；Willo Perron的模块化玻璃纤维装置通过镜面与桌体组合，重构空间感知，将观众拉回太空时代，这组装置也同样成为中央广场的公共休憩座椅。

Pharrell Williams旗下品牌Humanrace与瑞士模块家具品牌USM合作，以USM Haller绿色框架构建开放式卫浴空间。LAUFEN卫浴设备与定制护肤产品融入其中，倡导“沐浴作为身心平衡的日常仪式”。设计通过悬浮结构与自然光线，将功能主义升华为“重力失序的感官绿洲”。

挪威铝业巨头Hydro发起“R100”项目，要求Sabine Marcelis、Cecilie Manz等五位设计师在米兰100公里半径内，使用100%回收铝材创作家居作品。项目摒弃尺寸与类型限制，最终产出从装饰品到家具组件的多元形态，印证“环保设计无需妥协于创意至上”。

荷兰设计师Sabine Marcelis 为意大利科技公司XL EXTRALIGHT®设计环形花盆“BLOOM”，采用30%生物基材料，整合灌溉与种植功能。其双环结构被形容为“土壤与清水的私语剧场”，重新定义人与植物的互动关系。

游览之余，Capsule礼品店为此展区的体验画上完美句号——德国现代主义经典桌案经Tim Schütze改造为可调节高度的当代版本，支撑 Capsule礼品店，延续包豪斯功能美学。除此之外，丹麦银器品牌Georg Jensen携手设计师Paula Gerbase开设快闪冰淇淋咖啡馆，以Art Deco风格银器盛装北欧食材，将“银器从神坛回归日常”。

作为米兰设计周（2025年4月8日–13日）的重要参与者，Capsule Plaza以“激进感官体验”区别于主展Salone del Mobile的商业导向，但更侧重“设计民主化”与生态批判。例如，Hydro的本地化回收实验直指全球供应链的碳排放问题，而Satellite LHOV的模块化设计则回应后疫情时代对灵活家居的需求。

Capsule Plaza 2025不仅是一场展览，更是一次关于未来生活的社会实验。通过材料革新、空间重构与文化叙事，它挑战了设计的传统边界，提出“家居即生态系统”的愿景。

地址：Via Achille Maiocchi 7,Milan

Dropcity，字面意思为“坠落之城”，却并非指向某种建筑的末路，而是一次重构空间与知识关系的主动介入。项目由建筑师Andrea Caputo于2018年提出构想，选址于米兰中央车站北侧长达数百米的废弃铁路隧道，自2024年起逐步开放。作为欧洲首个将“建筑研究、材料实验、空间制造、策展展示”整合于一体的永久性基础设施，Dropcity提供了与传统展会和设计中心完全不同的叙事路径。

不同于传统意义上的设计场馆，Dropcity并非新建建筑，而是通过改造数十条废弃铁路隧道，以最小干预激活遗构。空间保留混凝土肌理与拱顶原貌，既是展览现场，也作为展览内容本身。项目空间将长期用于材料研究、原型制作、数字建造、机器人实验、木工、图书与档案管理等用途，是一个集设计、教育、实验、传播为一体的城市尺度平台。Dropcity将以其开放属性，激发跨学科协作，为建筑师、学生、学者与公众提供真正可使用、可生成、可反思的空间资源。

Dropcity致力于推动建筑进入系统性、公共性的知识生产机制之中，强调建筑不仅是形式的生产，更是制度与社会关系的介质。平台未来还将设立专门面向建筑与设计的参考图书馆与材料档案馆，向公众开放。馆内收藏涵盖意大利本土及国际建筑出版物，并配备阅览室、图书咨询与作家交流空间，进一步巩固其作为研究基础设施的定位。

在2025年展览架构中，观众穿行于连续编号的多个隧道空间，内容包含大理石的材料叙事、由Sam Chermayeff策划的集体项目Boxes Show、围绕监狱建筑的研究展Prison Times、Bruther的实验性建筑展bruther.fbx、纺织实验室中的材料编织体验、全天候的音乐马拉松……构成一条可步行的思想路径。还有策展人Benjamin Gallegos Gabilondo发起的“Beautiful Mistakes”项目，邀请设计师、建筑师围绕“失败”与“不确定性”展开分享与讨论。策展不再只是视觉呈现的工具，而成为社会议题激活与设计语言演化的公共通道。

鲜有艺术家能像Es Devlin这般构筑沉浸式体验奇观。这座在开幕前两周才揭晓的巨型环形装置，将重塑米兰大学荣誉中庭（Cortile d’Onore）的空间叙事。直径18米的环形雕塑中，2000余册书籍栖息于发光书架之上，构筑成光的圣殿。

当访客穿行其间，可聆听由图书馆"自主诵读"的文本——从理论物理学家Carlo Rovelli的《时间的秩序》（由"卷福"Benedict Cumberbatch献声），到18世纪数学家Maria Gaetana Agnesi的著作选段（由Devlin亲自演绎）。文字在LED屏幕上流动，光束轻抚书页，营造出知识与光线的双重交响。观者亦可翻阅或捐赠书籍，共同构建动态档案馆，未来这些典藏将成为米兰图书馆系统的特别收藏。

地址：

Spazio Maiocchi，via Achille Maiocchi 7

20129 Milano

Villa Bagatti Valesecchi是一座建于19世纪末的历史悠久的别墅，由Bagatti Valesecchi家族于1878年在一座18世纪农舍的基础上建造而成。值得一提的是顶部的凉亭采用了从米兰15世纪Sant’Erasmo修道院钟楼回收的柱子建造而成。别墅周围围绕着广阔的公园，融合了意大利和英国园林的风格。园内设有雕塑群、大型椭圆形喷泉、跑马场等特色景观。尽管这座别墅已被遗弃数十年，目前已然破败，但它仍然是伦巴第地区19世纪最具代表性的别墅实例之一。

另一核心展区Villa Borsani，作为20世纪中期从工匠到工业家的转型代表，Osvaldo Borsani在此融合了家族、企业、建筑与现代设计的多重故事。别墅不仅体现了工匠工艺向工业设计的演变，也承载了意大利家具设计发展的关键节点。如今在米兰设计周期间，Villa Borsani不只是一个展示空间，更是一段活的设计史，让人得以亲历意大利设计从精致手工艺迈向现代工业设计产业的演进历程。Alcova2024年在这里举办设计展览，作为米兰设计周的一部分，继上一届取得巨大成功之后，本届Alcova再次使用这里，延续设计与历史之间的对话。

Wallpaper*中文版特别关注并专访了Alcova参展的多位中外设计师和引人思考的全新设计案例，阐释当代设计是如何作为一种激活机制，唤醒被遗忘的空间，并赋予偏远城镇新的生命力的。

来自伊斯坦布尔的Studio Lugo通过多功能家具设计作品“Anachron Series”带来了一场文化遗产与当代家具设计的跨时空对话。设计师Doruk Kubilay从安纳托利亚的农耕文化与传统仪式中汲取灵感，将木工技术、金属、马鬃与织品等土耳其传统手工艺巧妙融合于多功能家具与灯具中。

“Anacron”一词源自“Anachronism”（时代错置），古代的农耕智慧此刻在现代的语境中显现。灯具上悬挂的马鬃和铃铛随风轻响，如同牧群从高山古地穿梭到现场，简洁却极具张力。座椅上的面料采用了Kutnu首次作为家具面料被使用，呈现特有的光泽与条纹。刺绣的图案选择了象征安纳托亚地区女性头巾上的文化符号。这一套多功能家具既传承了土耳其传统的手工技艺，又传递了当地的农耕文化与女性光辉，体现了功能与仪式的完美融合。

在Villa Borsani这座被完美保存的建筑瑰宝中，我们寻着东方熏香味道的指引来到了Haus of Hu的展厅。映入眼帘的就是极具中国古典美学和当代极简风格的KWA椅和Daffodil落地镜。Haus of Hu是一家位于伦敦的跨学科设计工作室。其名源自汉语中的“互户”二字。“互”字这个语言符号象征着文化的共享与链接; “户”字形似房屋，象征着一个全新集体的诞生。

Haus of Hu倡导的是一种融合汉语文化感知的当代表达，不同文化视角之间的微妙差异造就了东西方的古典和极简。品牌通过对集体记忆的转译，将作品打破传统功能与美学的界限，不再严格分类为实用或装饰性物件，而是创造出一种具有开放性和可延展性的设计语言，让每件作品都能随着使用者的生活方式与需求不断演变，拥有持久的生命力。

KWA双框架椅灵感来自于中国传统园林建筑中的窗棂结构，其交错的构架将两个框架巧妙的连接起来，通过细腻的视角变化来引导空间感知的转变，如同一个观看内在空间的视窗。设计师巧妙且克制地将中国园林的美学核心转译为当代极简风格的座椅，邀请使用者在家中也能体会到园林那引导视觉，观照内心之美。

“Celestial Manual”由韩笃一于2024年在印度Shakti Design Residency驻地项目期间创作，与设计师 Tarun Tahiliani 合作完成。吊灯的造型如同一把由宽大礼服裙摆展开而成的华盖，从下面看，圆形构图的每一个部分都表现了刺绣过程的不同阶段，仿佛一张刺绣工艺的操作指南，刺绣图案参考印度传统手势“mudras”，描绘一双双正在劳作中的手，捕捉了工艺之舞的动态姿态，展现了工匠辛勤劳动的节奏与韵律。圆形本身与垂吊的结构也唤起了印度艺术、建筑与哲学中常见的神圣意象，强调手工艺与文明之间深层的关联。

作品的灵感源自韩笃一在印度的旅程，在那里，他沉浸于手工艺的世界与创造的哲学之中。“这次驻地项目带给我大量信息与感官刺激。我在内心不断整理、理解这些体验的过程中，逐渐将这组设计视为一部个人日记，记录下多重感受，同时也作为时装工坊手工艺过程的一种’传记式’展示。”作品取材自他造访Tarun Tahiliani的服装与刺绣工坊的经历，向那些用心缝制、赋予衣物生命的工匠致敬。

本次Alcova设计展通过利用别墅不同房间，划分不同艺术作品的展览区域。当我们走进Villa Bagatti Valsecchi地下的厨房区域，柔软的地毯使我们的双脚放松下来，仿佛一瞬间穿越回到了过去，仿佛这里不再是一片荒废景象，而是充满了昔日生活的气息。

魏小盐今年在Alcova的作品以Lines in Shadows为概念，从中国传统山水画中的流动意象汲取灵感，将流动的线条，光与阴影和材质一同交织成一场温柔的对话。她所设计的Opia/珀，采用了热熔玻璃，铜的颗粒或使用网格或使用银箔，通过不同材料与不同层次的手工组合实验，创造出了如同漂浮于宇宙中星体一般的视觉效果。

艺术家、设计师赵子晗的新作也展出在这个房间，于2021年创立的品牌Unicoggetto不但在3D打印技术方面掌握独立研发技术，在中国文化背景下的设计语言方面同样有着出色表现。他之前在米兰设计周展出的作品“无限生长”系列已在国际上有了优秀反馈。在这个“被营造的温暖氛围的厨房”展区中，赵子晗带着“无限生长”系列和他的新作“Khipu”系列首次亮相Alcova，他将传统的制作工艺与3D打印相结合，运用现代科技重释传统家具形态。

地下展厅的另一边，没有光线从上方的窗口照下来。我们经过昏暗的走廊，在地下室展厅前看到点点星光。跟随星光的指引，我们来到了“星渚归梦”的空间。星渚归梦主题展厅由THESHAW工作室营造。

“我也时常回忆起幼时在夏夜田野间的草地上和家人一起躺在凉席上看明月当空繁星闪耀，月亮仿佛一个巨大的灯，洒下清辉，明晃晃照着我的身体，脚边的影子灰黑而扁平，像被时间定格的剪影。而如今，怀念起那个与自然和谐共生的童年。”刘潇的星渚归梦系列不仅是对个人记忆的追溯，更是东方诗意的现代表达。

Villa Bagatti Valsecchi的展区入口处，圆形的绿地周围分布着经过多年风雨摧残的雕像。在这些这些古典造型的雕像之中，一眼就能看到一座银色的雕塑。它极具张力，与周围的历史雕像构成鲜明的对比。这座位于一座原雕像遗址基座之上的雕塑“Off Pillar”便是中国雕塑艺术家吴蕾蕾在本次Alcova设计展的作品。

“Off Pillar”意指“脱柱”之意，即对柱子功能的延伸与超越，雕塑从传统承重的功能中抽离，转化为一种更自由、去中心化的表达方式。“3D打印作为一种相对平等与开放性的技术，可以被视为一种民主的生产工具，它赋予了每个人表达和创作的可能。

这次Alcova将一座曾象征着权力与秩序的别墅为展区，吴蕾蕾希望通过这件雕塑作品在这一空间语境中释放一种自由的、去中心化的力量，在此次米兰设计周的Alcova构筑起一道张力十足的对照风景。

这一款横向布局的黄铜壁灯由Diaphan Studio设计。品牌的名字由 dia（通过）+ phainein（照亮）两个词组合而成，是一个对光的执着与对艺术的热爱所孕育而生的工作室。

设计师由一对夫妇组成，地质学家和建筑师的奇妙组合将自然界不同石材的晶体结构与光线透过石材的轨迹，通过设计转化为自然与光的诗歌。今年的Alcova设计展中的Horizon这款壁灯由技艺精湛的工匠手工制作，光线通过在灯具内部的多次反射能像多个方向投射出令人着迷的光线轨迹。

来自西班牙的两位设计师带来了“Disguise Series 00”这一组“伪装”的形态家族座椅。每一件作品都通过套上一层带尖角的纺织罩布被“装扮”起来，这些罩布由手工制作，设计师通过给座椅“穿衣”这个行为赋予了作品新的身份: 它们即是家具，又是生物。

罩布尖角的形状取自于一种叫“Dizygotheca elegantissima”的植物，在中国被称作孔雀木。尖角这种形状唤起了自然界的形态生成过程。通过略有差异的重复构建出有机的图案，仿佛是唤起某种原始的情感连接，类似于我们对自然中微小事物或形态多产生的本能情感连接。这些座椅用独特的语言栖居于空间之中，如同一群刚被发现的神秘生物群体。